30 diciembre 2006

Seis siglos de cerámica española expuestos en Pontevedra

Fuente de loza dorada en una colección privada de Granada [Foto: Alejandro Pérez Ordóñez]El Café Moderno de Pontevedra ofrece por primera vez en Galicia los fondos de la Fundación Godia. La exposición reúne una selección de las principales manufacturas cerámicas de la Península.
La colección de cerámica de la Fundación Godia, con cerca de ochocientas piezas, es una de las más representativas a nivel nacional. Desde el 19 de diciembre de 2006, la entidad catalana muestra por vez primera en Galicia una selección de sus fondos a través de los que se puede seguir la evolución de la cerámica española desde el siglo XIII al XIX. La directora de la fundación, Sara Puig, destacó la diversidad de estilos "que hacen que la cerámica española sea muy auténtica. A veces parece de una decoración sencilla, pero tiene mucha fuerza y puede llegar a ser muy refinada", añadió.
La exposición exhibe lo más representativo de las manufacturas valencianas (Manises y Paterna), catalana, aragonesa, de Toledo, Talavera de la Reina, Sevilla y Alcora. En cuanto a temáticas, las más usadas fueron los temas de la naturaleza, las figuras y retratos, la fauna simbólica y doméstica, los blasones, los reflejos dorados o socarrats (piezas de barro que se colocaban en el techo).
[Fuente: La Voz de Galicia]

28 diciembre 2006

Acuerdo entre el Ministerio de Cultura y la Generalitat de Cataluña para proteger el patrimonio catalán

Iglesia de Sant Pere de Galligants, Gerona [Foto: Alejandro Pérez Ordóñez]El Ministerio de Cultura ha firmado un acuerdo con la Generalitat de Cataluña para colaborar en la mejor protección del Patrimonio Histórico situado en el territorio de esta comunidad autónoma. Este convenio incluye la elaboración de un Inventario General de Bienes Muebles del Patrimonio Histórico Español en posesión de instituciones eclesiásticas.
El ámbito de esta colaboración se centrará en la recogida de datos que permita elaborar un inventario, a los efectos del artículo 26 de la Ley 16/1985, de 25 de junio, del Patrimonio Histórico Español. La Generalitat de Cataluña se compromete a llevar a cabo ese inventario y a cumplimentar unas fichas a tenor de lo previsto en las normas específicas elaboradas a tal fin por la Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales.
Las fichas en cuestión se referirán a todos los objetos muebles de interés artístico, histórico, paleontológico, arqueológico, etnográfico, científico o técnico de singular relevancia que se encuentren en los inmuebles cuya relación se acompaña, y que ha sido proporcionada por la Generalitat.
La cantidad que aportará Cultura a la Generalitat constituye una cantidad total de noventa y dos mil quinientos sesenta y ocho euros (92.568 euros) a transferir por el Departamento que dirigie Carmen Calvo con cargo al concepto presupuestario.
La Generalitat de Cataluña se obliga a la entrega de las fichas debidamente cumplimentadas, antes del 31 de diciembre de 2006. Este plazo se podrá prorrogar por un mes previo acuerdo mutuo de ambas partes.
El BOE publica este convenio, suscrito por la ministra de Cultura, Carmen Calvo, y Ferran Mascarell i Canalda, conseller de Cultura de la Generalitat de Cataluña, con la voluntad de colaborar en la mejor protección del Patrimonio Histórico situado en el territorio de Cataluña. Se trata de un anexo a la resolución de Consejo de Ministros de 2 de marzo de 1990.
[Fuente: Terra Actualidad]

Hacia el anteproyecto de Ley de Museos y Colecciones Museográficas de Andalucía

Museo Arqueológico de Baza (Granada) [Foto: Alejandro Pérez Ordóñez]El Consejo Consultivo Andaluz (CCA) ha dictaminado a favor del anteproyecto de Ley de Museos y Colecciones Museográficas que promueve la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía con el objeto de establecer las normas para la creación, organización y gestión de los museos y colecciones museográficas de la comunidad autónoma.
Según manifestó el órgano jurídico en una nota de prensa remitida a Europa Press, es de "especial trascendencia" el nuevo concepto de museo y su superación como simple depósito de materiales y centro de investigación reservado a una minoría. Y esta consideración, según valoró, es resaltada en la exposición de motivos de la ley, que indica que el museo pasa a formar parte del conjunto de las instituciones comunitarias encargadas de desarrollar e impulsar la cultura, además de suponer un innegable elemento de atracción turística.
Esta transformación de índole sociocultural, según precisó el CCA, ha agotado el concepto de "museo-almacén", cuyas funciones eran la conservación y catalogación de los fondos, entendiéndose más como un instrumento eficaz de comunicación que interrelaciona el conocimiento de tipo informativo asociado a sus contenidos, las ideas y los sentimientos de las personas visitantes, y la creciente profesionalización de los mecanismos de comunicación, expositivos y didácticos.
Por ello, el Pleno del Consejo Consultivo Andaluz, que se reunió en su sede permanente, ubicada en la capital granadina, acordó dictaminar favorablemente la propuesta de la Consejería de Cultura.
[Fuente: Granada Hoy]

25 diciembre 2006

Polémica sobre la autenticidad del retrato de la infanta Margarita, de Velázquez

Retrato de la infanta Margarita [www.louvreatlanta.org]Un cuadro tradicionalmente atribuido a Velázquez que el Museo del Louvre ha prestado para una exposición en el Gran Museo de Atlanta es objeto de una polémica por las dudas que ha suscitado entre algunos especialistas en Historia del Arte. Libération vuelve a ser hoy el escenario de esa polémica al publicar una carta de réplica al diario firmada por el administrador general del Museo del Louvre de París, Didier Sélès, que defiende la autenticidad del retrato de la infanta Margarita, encargado en 1653 por la reina de Francia, Ana de Austria, a su hermano el rey de España. Felipe IV encargó a Velázquez el retrato, que llegó a Francia en 1654 y desde entonces decoró la habitación de la reina de Francia durante más de un siglo y sólo ha salido del palacio (el actual Museo del Louvre) para exposiciones recientes, ha recordado Sélès.
"Está reconocido como un original y evidentemente se expone como tal", ha subrayado el administrador, que argumentó que de 53 publicaciones que se le han consagrado, en 47 se le cataloga como un cuadro pintado únicamente por Velázquez, en cuatro elaborado por el genio español y por miembros de su taller (en particular por Mazo), y en sólo dos por los ayudantes del pintor. Además, insiste en que "todos reconocen la innegable calidad del cuadro", que en los últimos quince años se ha expuesto en diversas ciudades fuera de Francia, como México, Bolonia, Moscú o Tokio, y siempre atribuido sólo a Velázquez.
"Es aventurado únicamente sobre la base de tres breves citas, relegar al estatuto de simple copia esta obra considerada desde su llegada al Louvre en 1654 un original del artista y confirmada en este estatuto por decenas de historiadores del arte desde entonces. (...) Más allá de los debates -concluye Sélès- La infanta Margarita es un cuadro cuya historia se confunde con la misma historia del arte. ¿Acaso no fue delante de él que, por una admiración común, se conocieron Manet y Degas en el Louvre?".
Libération no se muerde la lengua y, por la voz del propio periodista que había hecho resurgir la polémica a comienzos de mes Vincent Noce, defiende que en su primer artículo se había limitado a "señalar que el 'Velázquez' expuesto en Atlanta era hasta ahora considerado una copia de taller. (...) El hecho es que los reconocidos especialistas (López Rey, Javier Portus, que representa nada menos que al Prado o Juliet Wilson-Bareau ahora omitida) consideran que este retrato una pintura de taller", explica Noce.
Añade el periodista que en un catálogo de la colección española de 2002 se decía que el busto se había copiado del retrato de la infanta que había hecho Velázquez para el emperador de Austria, y que el genial artista debió haber intervenido para pintar la cara. Por si fuera poco, Noce alude al hecho de que un antiguo presidente del Louvre, Pierre Rosenberg, que trabajó previamente 32 años en el departamento de pinturas, había declarado que la ausencia de Velázquez era "el agujero más cruel" del gran museo francés.
[Fuente: Agencia EFE]

23 diciembre 2006

Se restaurará el retablo mayor de la Asunción de Arcos de la Frontera

Retablo mayor de Santa María de la Asunción, Arcos de la Frontera (Cádiz)La Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía firmó el jueves 21 de diciembre de 2006 un convenio de colaboración con el Obispado de Jerez para restaurar el retablo mayor de la parroquia de Santa María de la Asunción de Arcos de la Frontera (Cádiz). Los trabajos, que se iniciarán próximamente, costarán 259.630 euros, y serán financiados al 50 por ciento: tanto la Consejería como el Obispado invertirán casi 130.000 euros cada uno.
La basílica menor de Santa María de la Asunción, primer templo de Arcos de la Frontera y Bien de Interés Cultural (BIC), es un destacado ejemplar de arquitectura del final del Gótico que data del siglo XVI, si bien conserva restos de estructuras precedentes y aditamentos posteriores. La creación del retablo es obra de Andrés Ocampo, entre otros autores. Su creación comenzó en 1585, pero no quedó montado hasta aproximadamente 35 años después.
El resultado es una talla dorada y policromada de 13,14 x 9,24 metros. En 1662 sufrió su primera reforma, y después no tuvo más intervenciones hasta 1704, cuando se llevó a cabo una operación general de adecentamiento del templo, que fue completamente blanqueado. A finales del siglo XVIII, se cambiaron el tabernáculo y el expositor por los que vemos ahora.
Según la Consejería de Cultura, "el retablo mayor, ubicado en el presbiterio, se compone de tres cuerpos con sucesión de órdenes jónico en el primer cuerpo y corintio en los dos restantes. El elemento central de la iconografía de este retablo ­-donde aparecen los evangelistas y los santos Jerónimo, Agustín o Gregorio Magno y una escena de la Última Cena, entre otros-, es la representación de la Asunción de la Virgen. Esta representación se dispone de la siguiente forma: en la parte inferior, los apóstoles en torno al sepulcro vacío, y, en la parte superior, la Virgen ascendiendo triunfante y siendo coronada. "Por otro lado, en las calles laterales del retablo se representan distintos episodios de los primeros años de la vida de Cristo, en los cuales está siempre presente la Virgen. También es destacable la presencia de los apóstoles en las entrecalles del retablo. "Actualmente, el retablo mayor de la iglesia de Santa María se encuentra en una situación que puede ser calificada de preocupante. Las patologías que le afectan en mayor grado están relacionadas con su estructura, ya que tiene defectos constructivos. Además, ha sufrido una serie de intervenciones indiscriminadas como mutilaciones, añadidos, transformaciones, eliminación de numerosos elementos de apoyo y travesaños de atado. La humedad, por otra parte, ha provocado contracciones y dilataciones que han terminado produciendo movimientos incontrolados, torsiones, grietas, desajustes y aberturas de ensambles. Se han perdido piezas, y el retablo ha sufrido un fuerte ataque de los insectos xilófagos, y, de forma puntual, de termitas. En este caso, el polvo, tan perjudicial, no le ha afectado. Y es que esta obra apenas tiene polvo porque hace tres años fue sometida una limpieza exhaustiva gracias a unos trabajos financiados por la Consejería de Cultura que costaron 15.000 euros".

[Fuente: SierradeCadiz.com]

22 diciembre 2006

'El grito' ha sufrido "daños irreparables", según los expertos

El grito, de Edvard Munch (Museo Munch, Oslo)Los daños causados al cuadro El grito del pintor expresionista noruego Edvard Munch por los ladrones que lo tuvieron en su poder durante dos años han sido calificados de "irreparables" por expertos del Museo Munch de Oslo.
Los expertos consideran que las pequeñas manchas producidas por la humedad son un problema sin solución y las grietas y agujeros que presenta el lienzo exigen trabajos de restauración extremadamente complicados. Sin embargo, los daños no tendrán repercusiones para los visitantes del Museo Munch.
El grito
fue robado del Museo Munch en agosto de 2004, junto con Madonna, y las dos obras sólo se pudieron recuperar dos años después y ambas presentan deterioros. Los dos cuadros fueron pintados en 1893 y 1894 y son considerados como obras claves del expresionismo temprano.
En el asalto participaron tres individuos. Dos de ellos fueron detenidos. El tercero, que esperaba en las proximidades del museo al volante de un vehículo preparado para la huida, sigue libre.
El grito
es considerado como la obra más significativa y conocida de la producción de Munch. El autor describió alguna vez las circunstancias de su creación: "Una noche anduve por un camino. Por debajo de mí estaban la ciudad y los fiordos. Estaba cansado y enfermo. Me quedé mirando el fiordo, el sol se estaba poniendo. Las nubes se tiñeron de rojo como la sangre. Sentí como un grito a través de la naturaleza. Me pareció oír un grito. Pinté este cuadro, pinté las nubes como sangre verdadera. Los colores gritaban".
[Fuente: EFE / EL PAÍS]

20 diciembre 2006

Presentado un código de buenas prácticas en museos y centros de arte

Museo Arqueológico de Jaén [Foto: Alejandro Pérez Ordóñez]La ministra de Cultura, Carmen Calvo, presentó el 18 de diciembre de 2006 en la conferencia sectorial de cultura, celebrada en Pamplona, el documento sobre 'Buenas prácticas en museos y centros de arte'. Según el Ministerio, "este texto no tiene carácter normativo, sólo comprometerá a aquellas instituciones que lo asuman y sin que en ningún momento esto suponga el desistimiento de la responsabilidad política y cultural de las instituciones las cuales, por otra parte, dispondrán del control de los tiempos a la hora de poner en práctica las recomendaciones incluidas en el texto".
Según el Ministerio, "el documento sobre 'Buenas prácticas en museos y centros de arte' es el resultado de las conversaciones iniciadas el pasado mes de junio entre el Ministerio de Cultura y varias asociaciones del sector: el Instituto de Arte Contemporáneo, la Asociación de directores de museos y centros de arte contemporáneo de España; la Unión de Asociaciones de Galerías de Arte Contemporáneo; el Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo; el Consejo de Críticos de Arte y la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales. El texto abarca importantes aspectos relacionados con los museos y centros de arte contemporáneo, que van desde las estructuras de gestión de los mismos, hasta la composición, elección y funciones de los patronatos, pasando por la selección de los directores o directoras de estos centros o el papel social de los museos y centros de arte.
"El documento aboga por que las estructuras de gestión de los museos y centros de arte contemporáneo tienen que quedar al servicio de la organización y de su capacidad para conectar con la sociedad. En este sentido, señala que estas estructuras tendrían que caracterizarse por el principio de autonomía plena. En virtud
de lo recogido por este texto, las estructuras de gestión deben tener como objetivos asegurar la viabilidad del proyecto, supervisar su agilidad y consistencia, facilitar el control externo, garantizar la provisión de los recursos económicos indispensables y ayudar a captar recursos y servicios adicionales. Estas estructuras deben, asimismo, tender a ser duraderas en el tiempo.
Museo Patio Herreriano, Valladolid [Foto: Alejandro Pérez Ordóñez]"En lo que se refiere a los patronatos de los museos y centros de arte contemporáneo, el texto recomienda que la composición de los mismos garantice la presencia de representantes de la administración pública titular, de miembros de la sociedad civil y de expertos y científicos. Según recomienda el documento de buenas prácticas, la representación de estos tres grupos debería obedecer a los siguientes criterios de proporcionalidad: entre el 20% y el 33% de la administración titular, entre el 20% y el 33% de la sociedad civil y entre el 33% y el 50% de expertos y científicos. El texto incluye que el patronato tiene que acordar y hacer públicas normas de conducta que eviten cualquier conflicto de intereses de sus miembros en perjuicio de los proyectos, adquisiciones o posibilidades de financiación del museo.
"Según se expone en el documento de buenas prácticas, la elección de los directores de los museos tendría que hacerse mediante concurso. Además, la duración contractual de los directores debería desvincularse de la duración de la legislatura, por lo que se recomienda el contrato de cinco años. El texto expone igualmente las normas básicas por las que debe regirse el nombramiento de los directores de museos y centros de arte".
[Fuente: www.tiempodehistoria.com]

15 diciembre 2006

Editada una guía histórico-artística de la Alhambra y el Generalife

[Foto: Alejandro Pérez Ordóñez]La Alhambra y el Generalife. Guía Histórico-Artística, es un exhaustivo itinerario por el interior del recinto de la Alhambra y la almunia del Generalife, a modo de guía práctica, pero también un recorrido estético y conceptual, y un instrumento de reflexión cultural y de halago de los sentidos, según ha sido concebido por los autores, María Elena Díez Jorge, Manuel Gómez-Moreno y Pedro A. Galera, quienes junto a los paseos e itinerarios por el conjunto monumental nazarí, proponen un acercamiento singular por los espacios, la vida y las gentes que lo habitaron. Las recepciones, las fiestas y las celebraciones, los espacios femeninos y los espacios masculinos, la vida diaria en la ciudad palatina, son objeto de análisis en este libro editado conjuntamente por la Universidad de Granada y la Consejería de Innovación, Ciencia y Empresa de la Junta de Andalucía, con la colaboración del Colegio Oficial de Aparejadores y Arquitectos Técnicos de Granada.
[Foto: Alejandro Pérez Ordóñez]La simbología, la arquitectura, la defensa, los usos de los espacios, la feminidad y la masculinidad, las estéticas nazarí y cristiana, son aspectos esenciales en este libro coordinado por la profesora del departamento de Historia del Arte de la Universidad de Granada, Dra. María Elena Díez Jorge, en el que se trasciende la guía histórica y monumental de la Alhambra, para adentrarse en los ámbitos de la investigación y el estudio. Pero esta obra es, al mismo tiempo, un instrumento documentado y exhaustivo para recorrer tanto el interior del conjunto amurallado como otros espacios y lugares del entorno monumental, como el Palacio de Carlos V, la Dehesa del Generalife, la Cuesta de los Chinos, o emprender un itinerario de los jardines o del agua.
A los textos de Díez Jorge, Gómez-Moreno y Galera Andreu, se añaden la cuidada fotografía de Vicente del Amo y del propio José Manuel Gómez-Moreno, así como los planos realizados por Lourdes Gutiérrez Carrillo (Universidad de Granada), basados en el plano catastral, a excepción de los indicados de Antonio Orihuela Uzal (Escuela de Estudios Árabes, CSIC).
Un libro, pues, práctico para recorrer todo el conjunto monumental, pero a la vez sugerente y atractivo por su rango estético y por su aportación conceptual; por su propuesta diversa y rica acerca de las relaciones entre la arquitectura y la religión, los roles masculino y femenino, la ornamentación y la imágenes, las leyendas románticas y la investigación científica.
El volumen fue presentado por el profesor de Historia del Arte Dr. Mateo Revilla Uceda, el pasado 12 de diciembre de 2006, a las 13 horas, en la Librería Universidad de Granada (Plaza de Isabel la Católica, número 4).
[Fuente: GranadaDigital]

14 diciembre 2006

Dafen (China), la ciudad de los copistas

En Dafen, un pueblo de pintores en la provincia de Shenzhen, a 30 kilómetros de Hong Kong (China), más de 8.000 artistas producen anualmente cinco millones de cuadros para la exportación, copiando obras de maestros como Van Gogh, Leonardo Da Vinci, Picasso y tantos otros. Los trabajadores más rápidos consiguen pintar hasta 30 cuadros al día.
El primer taller de pintura fue fundado por el propietario de una impresora en Hong Kong en 1986. Ahora existen más de 400 talleres similares en esta localidad conocida como Villa de Pintura al Óleo de Dafen. En todos ellos hay miles de hombres y mujeres jóvenes del sur de China que producen anualmente grandes volúmenes de cuadros. Son los llamados “pintores-trabajadores” que pueden llegar a trabajar 10 horas por día los seis días de la semana.
Y es que China está aplicando al arte las mismas técnicas de manufactura que la convirtieron en el proveedor líder de juguetes y electrodomésticos. Se estima que en el sur de China hay 20 mil pintores-trabajadores, incluyendo más de 3 mil en Shenzhen.
La mayoría de las pinturas producidas en el sur de China son copias, y son creadas por grupos en los que cada pintor-trabajador se hace responsable de cierto conjunto de colores o pinturas copiados de la fotografía de un trabajo ya existente. Muchos son también producidos por una persona que pinta la misma obra una y otra vez. Así hay especialistas en hacer Van Goghs, de hecho hay trabajadores que aseguran haber pintado más Van Goghs que Van Gogh mismo. No obstante, otras son fabricadas mediante la impronta de una impresión en un lienzo, en el que posteriormente los trabajadores rellenan las líneas.
A pesar de la potencial problemática de propiedad intelectual que se puede originar por hacer copias de obras de arte, Ren Xiaofeng, subdirector de la oficina de administración del distrito, cuenta que la aldea nunca ha sido demandada.
Las piezas que se copian en Dafen ya están en el dominio público y por lo tanto no incluyen el derecho de autor, dijo. "La gente sabe que no son los originales". En parte es por eso que Dafen no es una comunidad de artistas bohemios. No le avergüenza tener motivos comerciales. "Las personas de aquí no tienen la intención de ser artistas", dijo Ren.
[Fuente: Artelista]