GOTHICmed, una mirada sobre el Gótico mediterráneo, en Valencia

GOTHICmed es una exposición muy especial sobre el gótico mediterráneo que, desde el 18 de enero y hasta el próximo 18 de febrero de 2007, se puede visitar en el Museo de Historia de Valencia (sala hipóstila). Reúne maquetas de edificios de diversos paises (Italia, Grecia, Portugal) junto con una serie de paneles explicativos (también en inglés) y proyecciones. La finalidad es sobre todo didáctica, como señalaba Eugenio Delfino, que asistió al acto con la concejala María José Alcón y el Director General de Patrimonio, Manuel Muñoz.
GOTHICmed es un proyecto de la Unión Europea desarrollado dentro del programa CULTURE 2000 y liderado por la Secretaría Autonómica de Cultura de la Generalitat Valenciana (España). Participan igualmente las siguientes instituciones: Directorate of Byzantine and Postbyzantine Monuments (Grecia), Arsenale di Palermo, Sicilia (Italia), Hipocausto-Gabinete de Prestaçao de Serviços (Portugal), International Tourist Institute (Eslovenia) e Instituto Cervantes (España). Numerosas instituciones (Museos, Universidades, Institutos), así como investigadores colaboran en este proyecto.
El proyecto pretende profundizar en el conocimiento de la arquitectura gótica mediterránea, conectar investigaciones que se llevan por separado en diferentes países, y divulgar los valores de este episodio arquitectónico.
GOTHICmed pondrá en circulación en la red imágenes inéditas insertadas en visitas virtuales a los monumentos de mayor interés de este episodio arquitectónico. Estas visitas virtuales se efectuarán mediante fotografías panorámicas, galerías fotográficas y videos. Igualmente se realizarán textos, con otras imágenes y dibujos, redactados por especialistas en la materia y se pondrán a disposición de la comunidad científica libros y artículos especializados on line. Evidentemente GOTHICmed no sustituye la visión y el disfrute directo de la arquitectura gótica mediterránea, pero incita a su visita y permite y complementa su conocimiento.
Como señaló Arturo Zaragoza, el comisario de la muestra, "en el siglo XIII llegó al Mediterráneo este estilo entonces llamado el 'estilo nuevo". Y tuvo singular fortuna en diversos países, incluidos los que pertenecían al Imperio de Bizancio.
Se exhiben "videos y fotografías esféricas que se pueden bajar de la Red". Y se han añadido 20 piezas representativas.
La exposición GOTHICmed irá luego a Évora (Portugal), Palermo (Sicilia), Ljubliana (Eslovenia) y Atenas (Grecia).
[Fuente: GOTHICmed]

Concedido a Vitoria-Gasteiz el premio Archival por la recuperación de su casco histórico

Vitoria-Gasteiz ha sido galardonada con el premio Archival, que reconoce la labor en la recuperación de los centros históricos españoles, por las medidas impulsadas por el Ayuntamiento para recuperar el casco medieval.
El Ayuntamiento vitoriano anunció que su concejal de Urbanismo, Jorge Ibarrondo, recogerá el próximo 30 de enero en Madrid este premio que alcanza su sexta edición. El galardón reconoce la promoción, el esfuerzo e interés de personas en general, entidades públicas y privadas o empresas a favor de la recuperación y revitalización del patrimonio cultural, costumbres y tradiciones de los centros históricos españoles y sus entornos.
Ibarrondo destacó "las importantes y ambiciosas medidas impulsadas desde Gasteiz para recuperar el Casco Medieval, a través del Peri, que han merecido el reconocimiento de esta importante entidad dedicada al fomento y promoción de los procesos recuperadores de los centros históricos de España". El casco antiguo vitoriano se encuentra inmerso en la realización de varios proyectos como la instalación de rampas mecánicas, la revitalización del comercio o la adquisición por parte de Adolfo Domínguez de seis lonjas en la calle Herrería, según recordó el concejal.
Junto a Vitoria-Gasteiz, también han sido galardonadas con el premio Archival las ciudades de Alcalá de Henares (Madrid) y Córdoba; el Círculo de Bellas Artes de Madrid o la rehabilitación de la Lonja de la Seda realizada por el Ayuntamiento de Valencia. También ha sido premiadas la Sociedad Urbanística de Rehabilitación de Bilbao; la Universidad Internacional Menéndez y Pelayo de España; el vicepresidente del consejo de Cámaras de Comercio de España, Arturo Virosque Ruiz; la Fundación de Cultura Islámica de Madrid, y el cantante y compositor Luis Aguilé.
ARCHIVAL, "Entidad para la recuperaciónn de los centros históricos de España" es una asociación privada, de carácter ciudadano, sin ánimo de lucro, nacida en 1991, para el fomento y la promoción del proceso de recuperación integral del centro histórico de Valencia, en sus aspectos urbanístico, comercial, artesanal, cultural, turístico y social.
El cuerpo social está formado por 1400 socios. El Ministro del Interior, en virtud de orden de 24 de febrero de 1998, ha dispuesto declarar de "Utilidad Pública" a esta entidad.
Desde el año 2000, el ámbito territorial de acción alcanza a todos los centros históricos de España, con lo que se pasa a tener ámbito estatal.
En el año 2001, Archival organizó el I Congreso de Centros Históricos de España, que tuvo lugar en Madrid, y en 2005 celebró su segunda edición en Valencia.
[Fuentes: EFE y Archival]

Nuevo ensayo de André Grabar sobre los orígenes de la estética medieval

Ediciones Siruela acaba de publicar Los orígenes de la estética medieval, de André Grabar, en su colección La Biblioteca Azul, Serie Mínima.
El alargamiento de los miembros, la frontalidad de los volúmenes, el desdibujamiento del modelado y lo descarnado de las figuras son, entre otros, rasgos del arte bizantino, cuya fuente descubre el gran historiador André Grabar en las corrientes neoplatónicas del siglo III d. C.
Grabar muestra que en la imagen actúa una concepción espiritualizada de la materia. El artista debe, valiéndose de medios puramente estéticos, llevar al espectador a despegarse de lo sensible, a "abrir los ojos del espíritu", a contemplar lo divino en el cosmos.
El célebre texto sobre Plotino y los orígenes de la estética medieval se completa con una conferencia sobre La representación de lo Inteligible en el arte bizantino de la Edad Media y con El mensaje del arte bizantino, una revisión más general de las relaciones entre la Edad Media y la Antigüedad.
[Fuente: Ediciones Siruela]

Se exponen 60 obras de Chillida en Madrid

La Fundación Canal de Madrid muestra la fuerza expresiva del escultor vasco Eduardo Chillida. Bajo el título de Chillida. Lenguaje Natural se muestran 60 obras, entre esculturas, collages y obras sobre papel de diferentes formatos junto a fotos y un vídeo, seleccionadas por su propio hijo Ignacio Chillida. La muestra estará abierta hasta el 18 de febrero de 2007.
La exposición reúne formatos y técnicas para trasmitir al espectador la búsqueda de Chillida por lo sencillo y natural. Se exhiben un total de 60 piezas realizadas en materiales como el alabastro, el hierro, la tierra o el papel, que han sido seleccionadas por Ignacio Chillida.
Es así como el escultor del espacio regresa a Madrid, tras la última muestra expuesta en el Museo Reina Sofía en 1998. "Ya iba siendo hora de volver", apuntó Ignacio Chillida, quien pretende mostrar las obras que alberga el Museo Chillida-Leku de Guipúzcoa en otras ciudades españolas.
La obra de Chillida se caracteriza por su introducción en los espacios abiertos, integrándose para formar parte de ellos. Así, sus esculturas salen de los museos para tomar la calle y acercarse a todo el mundo. Obras como El peine de los vientos que se abre al mar de San Sebastián o la Plaza de los Fueros de Vitoria hacen que el que las contempla quiera introducirse en ellas. La que seguramente es su escultura más emblemática es el Gure Aitaren Etxea, en Guernica.
Curiosamente, Chillida, nacido el 10 de enero de 1924 en San Sebastián, antes de escultor fue futbolista, pero tras una fractura de rodilla cambió sus guantes de portero por unas manos desnudas a la búsqueda de nuevas formas y volúmenes artísticos.
Su obra empieza a tomar cuerpo cuando se traslada a París y realiza sus primeras esculturas en yeso, impresionado por la escultura griega arcaica del Museo del Louvre.
Ignacio Chillida, comisario de la muestra y director del área Obra y Artista del Museo Hernaniarra, destacó la importancia de piezas como el Esertoki III, que pesa casi 6.000 kilos y simula a los asientos o "lugares para sentarse" que forman parte de la serie Diálogos.
En alabastro, uno de los materiales preferidos de Chillida, "porque recoge la luz, la absorbe y después la proyecta", resaltó su Homenaje a Pili (mujer del escultor). "Esta exposición resalta la aproximación de mi padre a la materia y al espacio".
La muestra también incluyen varias Lurrak (Tierras), realizadas en tierra, como La Casa del Poeta, que destacan por su aspecto primitivo. Además la muestra recoge algunos de los dibujos de "manos" que sirvieron al artista para estudiar las infinitas posibilidades espaciales.
Dentro del capítulo de las llamadas "gravitaciones", resalta Elogio del Agua, muy vinculada al concepto Arte y Entorno que sirve de posicionamiento a la Fundación Canal.
Preguntado por el proyecto artístico que Chillida planeó para la montaña de Tindaya (Fuerteventura), su hijo contestó que solo falta buscar el presupuesto y hablar con los responsables políticos para que el proyecto siga adelante. "Desgraciadamente mi padre sabía que no iba a ver terminado este proyecto", comentó Ignacio Chillida, quien recordó que el próximo año se cumplirán treinta años de la creación de una de sus obras más emblemáticas: El Peine del Viento (San Sebastián).
[Fuentes: Artelista y Museo Chillida-Leku]

2007 será el "año de Hergé"

Un 22 de mayo de 1907 nació uno de los grandes maestros del cómic universal y creador de Tintín, Georges Remi Hergé. Por eso, durante todo el 2007 se celebrará mundialmente su centenario. El Centre Pompidou de París es el primero en homenajearlo en una muestra que recorre centenares de dibujos, documentos y correspondencias del famoso dibujante y su inseparable héroe.

La carrera de Hergé no se puede concebir sin la presencia del más legendario de sus héroes: Tintín. El personaje nació en una revista de cómic en 1929 y su primer álbum fue Tintín en el país de los soviets. Imágenes de esa obra y de muchas otras se muestran en el centro de arte Pompidou de París.
Las imágenes de Hergé han tomado el Centre Pompidou de París desde la fachada, cubierta con una gran lona en la que puede verse una ilustración de la aventura Objetivo: la Luna, hasta el interior, donde la muestra se desarrolla a través del espacio Forum y de la primera planta. La retrospectiva podrá visitarse hasta el 19 de febrero de 2007 y constituye una oportunidad única para contemplar desde el primer dibujo realizado por Hergé, con tan sólo cuatro años, hasta sus últimas creaciones.

Con la muestra se inicia a nivel mundial el “año de Hergé”, que organiza la Fundación que lleva su mismo nombre. Segú dicen, el objetivo de las celebraciones que tendrán lugar en Europa y América del Norte durante todo el próximo año es “inscribir el arte de Hergé en la historia del arte” universal.

[Fuente: Artelista]

Nace el Museo Nacional de Arquitectura y Urbanismo, en Salamanca, Barcelona y Madrid

El Consejo de Ministros aprobó el 30 de diciembre de 2006 la creación del Museo Nacional de Arquitectura y Urbanismo, que tendrá su sede en Salamanca para la parte dedicada a la Arquitectura, mientras que Barcelona acogerá la correspondiente a Urbanismo y Madrid el Centro de Documentación. Su función será la de conservar, investigar, difundir y exhibir el conjunto de bienes necesarios para "entender la aportación de la arquitectura y del urbanismo al patrimonio nacional".
El Gobierno ha explicado que la colección del Museo Nacional estará constituida por "los bienes pertenecientes al patrimonio arquitectónico, urbanístico y documental que está adscrito al Ministerio de Vivienda en forma de objetos, dibujos, documentos, planos e imágenes".
La memoria del proyecto señala que la ubicación en Salamanca para la sede del Museo de Arquitectura subraya el valor de una ciudad "que compendia con gran perfección la historia de la arquitectura española" y su rico patrimonio arquitectónico expresivo "de los estilos románico, gótico, renacentista, plateresco y barroco".
Además, también se destaca "el gran cuidado en la renovación arquitectónica de los últimos siglos tanto en su dimensión civil como religiosa" que motivó su declaración como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en el año 1988. Aunque en esta memoria se cita el deseo de que el Museo "se inserte en un marco urbano representativo de la historia de la arquitectura española", no anticipa nada oficialmente sobre la sede del nuevo espacio, aunque todo hace indicar que ocupará el antiguo inmueble del Banco de España, en la Plaza de los Bandos.
[Fuente: El Norte de Castilla]

Seis siglos de cerámica española expuestos en Pontevedra

El Café Moderno de Pontevedra ofrece por primera vez en Galicia los fondos de la Fundación Godia. La exposición reúne una selección de las principales manufacturas cerámicas de la Península.
La colección de cerámica de la Fundación Godia, con cerca de ochocientas piezas, es una de las más representativas a nivel nacional. Desde el 19 de diciembre de 2006, la entidad catalana muestra por vez primera en Galicia una selección de sus fondos a través de los que se puede seguir la evolución de la cerámica española desde el siglo XIII al XIX. La directora de la fundación, Sara Puig, destacó la diversidad de estilos "que hacen que la cerámica española sea muy auténtica. A veces parece de una decoración sencilla, pero tiene mucha fuerza y puede llegar a ser muy refinada", añadió.
La exposición exhibe lo más representativo de las manufacturas valencianas (Manises y Paterna), catalana, aragonesa, de Toledo, Talavera de la Reina, Sevilla y Alcora. En cuanto a temáticas, las más usadas fueron los temas de la naturaleza, las figuras y retratos, la fauna simbólica y doméstica, los blasones, los reflejos dorados o socarrats (piezas de barro que se colocaban en el techo).
[Fuente: La Voz de Galicia]

Acuerdo entre el Ministerio de Cultura y la Generalitat de Cataluña para proteger el patrimonio catalán

El Ministerio de Cultura ha firmado un acuerdo con la Generalitat de Cataluña para colaborar en la mejor protección del Patrimonio Histórico situado en el territorio de esta comunidad autónoma. Este convenio incluye la elaboración de un Inventario General de Bienes Muebles del Patrimonio Histórico Español en posesión de instituciones eclesiásticas.
El ámbito de esta colaboración se centrará en la recogida de datos que permita elaborar un inventario, a los efectos del artículo 26 de la Ley 16/1985, de 25 de junio, del Patrimonio Histórico Español. La Generalitat de Cataluña se compromete a llevar a cabo ese inventario y a cumplimentar unas fichas a tenor de lo previsto en las normas específicas elaboradas a tal fin por la Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales.
Las fichas en cuestión se referirán a todos los objetos muebles de interés artístico, histórico, paleontológico, arqueológico, etnográfico, científico o técnico de singular relevancia que se encuentren en los inmuebles cuya relación se acompaña, y que ha sido proporcionada por la Generalitat.
La cantidad que aportará Cultura a la Generalitat constituye una cantidad total de noventa y dos mil quinientos sesenta y ocho euros (92.568 euros) a transferir por el Departamento que dirigie Carmen Calvo con cargo al concepto presupuestario.
La Generalitat de Cataluña se obliga a la entrega de las fichas debidamente cumplimentadas, antes del 31 de diciembre de 2006. Este plazo se podrá prorrogar por un mes previo acuerdo mutuo de ambas partes.
El BOE publica este convenio, suscrito por la ministra de Cultura, Carmen Calvo, y Ferran Mascarell i Canalda, conseller de Cultura de la Generalitat de Cataluña, con la voluntad de colaborar en la mejor protección del Patrimonio Histórico situado en el territorio de Cataluña. Se trata de un anexo a la resolución de Consejo de Ministros de 2 de marzo de 1990.
[Fuente: Terra Actualidad]

Hacia el anteproyecto de Ley de Museos y Colecciones Museográficas de Andalucía

El Consejo Consultivo Andaluz (CCA) ha dictaminado a favor del anteproyecto de Ley de Museos y Colecciones Museográficas que promueve la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía con el objeto de establecer las normas para la creación, organización y gestión de los museos y colecciones museográficas de la comunidad autónoma.
Según manifestó el órgano jurídico en una nota de prensa remitida a Europa Press, es de "especial trascendencia" el nuevo concepto de museo y su superación como simple depósito de materiales y centro de investigación reservado a una minoría. Y esta consideración, según valoró, es resaltada en la exposición de motivos de la ley, que indica que el museo pasa a formar parte del conjunto de las instituciones comunitarias encargadas de desarrollar e impulsar la cultura, además de suponer un innegable elemento de atracción turística.
Esta transformación de índole sociocultural, según precisó el CCA, ha agotado el concepto de "museo-almacén", cuyas funciones eran la conservación y catalogación de los fondos, entendiéndose más como un instrumento eficaz de comunicación que interrelaciona el conocimiento de tipo informativo asociado a sus contenidos, las ideas y los sentimientos de las personas visitantes, y la creciente profesionalización de los mecanismos de comunicación, expositivos y didácticos.
Por ello, el Pleno del Consejo Consultivo Andaluz, que se reunió en su sede permanente, ubicada en la capital granadina, acordó dictaminar favorablemente la propuesta de la Consejería de Cultura.
[Fuente: Granada Hoy]

Polémica sobre la autenticidad del retrato de la infanta Margarita, de Velázquez

Un cuadro tradicionalmente atribuido a Velázquez que el Museo del Louvre ha prestado para una exposición en el Gran Museo de Atlanta es objeto de una polémica por las dudas que ha suscitado entre algunos especialistas en Historia del Arte. Libération vuelve a ser hoy el escenario de esa polémica al publicar una carta de réplica al diario firmada por el administrador general del Museo del Louvre de París, Didier Sélès, que defiende la autenticidad del retrato de la infanta Margarita, encargado en 1653 por la reina de Francia, Ana de Austria, a su hermano el rey de España. Felipe IV encargó a Velázquez el retrato, que llegó a Francia en 1654 y desde entonces decoró la habitación de la reina de Francia durante más de un siglo y sólo ha salido del palacio (el actual Museo del Louvre) para exposiciones recientes, ha recordado Sélès.
"Está reconocido como un original y evidentemente se expone como tal", ha subrayado el administrador, que argumentó que de 53 publicaciones que se le han consagrado, en 47 se le cataloga como un cuadro pintado únicamente por Velázquez, en cuatro elaborado por el genio español y por miembros de su taller (en particular por Mazo), y en sólo dos por los ayudantes del pintor. Además, insiste en que "todos reconocen la innegable calidad del cuadro", que en los últimos quince años se ha expuesto en diversas ciudades fuera de Francia, como México, Bolonia, Moscú o Tokio, y siempre atribuido sólo a Velázquez.
"Es aventurado únicamente sobre la base de tres breves citas, relegar al estatuto de simple copia esta obra considerada desde su llegada al Louvre en 1654 un original del artista y confirmada en este estatuto por decenas de historiadores del arte desde entonces. (...) Más allá de los debates -concluye Sélès- La infanta Margarita es un cuadro cuya historia se confunde con la misma historia del arte. ¿Acaso no fue delante de él que, por una admiración común, se conocieron Manet y Degas en el Louvre?".
Libération no se muerde la lengua y, por la voz del propio periodista que había hecho resurgir la polémica a comienzos de mes Vincent Noce, defiende que en su primer artículo se había limitado a "señalar que el 'Velázquez' expuesto en Atlanta era hasta ahora considerado una copia de taller. (...) El hecho es que los reconocidos especialistas (López Rey, Javier Portus, que representa nada menos que al Prado o Juliet Wilson-Bareau ahora omitida) consideran que este retrato una pintura de taller", explica Noce.
Añade el periodista que en un catálogo de la colección española de 2002 se decía que el busto se había copiado del retrato de la infanta que había hecho Velázquez para el emperador de Austria, y que el genial artista debió haber intervenido para pintar la cara. Por si fuera poco, Noce alude al hecho de que un antiguo presidente del Louvre, Pierre Rosenberg, que trabajó previamente 32 años en el departamento de pinturas, había declarado que la ausencia de Velázquez era "el agujero más cruel" del gran museo francés.
[Fuente: Agencia EFE]

Se restaurará el retablo mayor de la Asunción de Arcos de la Frontera

La Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía firmó el jueves 21 de diciembre de 2006 un convenio de colaboración con el Obispado de Jerez para restaurar el retablo mayor de la parroquia de Santa María de la Asunción de Arcos de la Frontera (Cádiz). Los trabajos, que se iniciarán próximamente, costarán 259.630 euros, y serán financiados al 50 por ciento: tanto la Consejería como el Obispado invertirán casi 130.000 euros cada uno.
La basílica menor de Santa María de la Asunción, primer templo de Arcos de la Frontera y Bien de Interés Cultural (BIC), es un destacado ejemplar de arquitectura del final del Gótico que data del siglo XVI, si bien conserva restos de estructuras precedentes y aditamentos posteriores. La creación del retablo es obra de Andrés Ocampo, entre otros autores. Su creación comenzó en 1585, pero no quedó montado hasta aproximadamente 35 años después. El resultado es una talla dorada y policromada de 13,14 x 9,24 metros. En 1662 sufrió su primera reforma, y después no tuvo más intervenciones hasta 1704, cuando se llevó a cabo una operación general de adecentamiento del templo, que fue completamente blanqueado. A finales del siglo XVIII, se cambiaron el tabernáculo y el expositor por los que vemos ahora.
Según la Consejería de Cultura, "el retablo mayor, ubicado en el presbiterio, se compone de tres cuerpos con sucesión de órdenes jónico en el primer cuerpo y corintio en los dos restantes. El elemento central de la iconografía de este retablo ­-donde aparecen los evangelistas y los santos Jerónimo, Agustín o Gregorio Magno y una escena de la Última Cena, entre otros-, es la representación de la Asunción de la Virgen. Esta representación se dispone de la siguiente forma: en la parte inferior, los apóstoles en torno al sepulcro vacío, y, en la parte superior, la Virgen ascendiendo triunfante y siendo coronada. "Por otro lado, en las calles laterales del retablo se representan distintos episodios de los primeros años de la vida de Cristo, en los cuales está siempre presente la Virgen. También es destacable la presencia de los apóstoles en las entrecalles del retablo. "Actualmente, el retablo mayor de la iglesia de Santa María se encuentra en una situación que puede ser calificada de preocupante. Las patologías que le afectan en mayor grado están relacionadas con su estructura, ya que tiene defectos constructivos. Además, ha sufrido una serie de intervenciones indiscriminadas como mutilaciones, añadidos, transformaciones, eliminación de numerosos elementos de apoyo y travesaños de atado. La humedad, por otra parte, ha provocado contracciones y dilataciones que han terminado produciendo movimientos incontrolados, torsiones, grietas, desajustes y aberturas de ensambles. Se han perdido piezas, y el retablo ha sufrido un fuerte ataque de los insectos xilófagos, y, de forma puntual, de termitas. En este caso, el polvo, tan perjudicial, no le ha afectado. Y es que esta obra apenas tiene polvo porque hace tres años fue sometida una limpieza exhaustiva gracias a unos trabajos financiados por la Consejería de Cultura que costaron 15.000 euros".
[Fuente: SierradeCadiz.com]

'El grito' ha sufrido "daños irreparables", según los expertos

Los daños causados al cuadro El grito del pintor expresionista noruego Edvard Munch por los ladrones que lo tuvieron en su poder durante dos años han sido calificados de "irreparables" por expertos del Museo Munch de Oslo.
Los expertos consideran que las pequeñas manchas producidas por la humedad son un problema sin solución y las grietas y agujeros que presenta el lienzo exigen trabajos de restauración extremadamente complicados. Sin embargo, los daños no tendrán repercusiones para los visitantes del Museo Munch.
El grito fue robado del Museo Munch en agosto de 2004, junto con Madonna, y las dos obras sólo se pudieron recuperar dos años después y ambas presentan deterioros. Los dos cuadros fueron pintados en 1893 y 1894 y son considerados como obras claves del expresionismo temprano.
En el asalto participaron tres individuos. Dos de ellos fueron detenidos. El tercero, que esperaba en las proximidades del museo al volante de un vehículo preparado para la huida, sigue libre.
El grito es considerado como la obra más significativa y conocida de la producción de Munch. El autor describió alguna vez las circunstancias de su creación: "Una noche anduve por un camino. Por debajo de mí estaban la ciudad y los fiordos. Estaba cansado y enfermo. Me quedé mirando el fiordo, el sol se estaba poniendo. Las nubes se tiñeron de rojo como la sangre. Sentí como un grito a través de la naturaleza. Me pareció oír un grito. Pinté este cuadro, pinté las nubes como sangre verdadera. Los colores gritaban".
[Fuente: EFE / EL PAÍS]

Presentado un código de buenas prácticas en museos y centros de arte

La ministra de Cultura, Carmen Calvo, presentó el 18 de diciembre de 2006 en la conferencia sectorial de cultura, celebrada en Pamplona, el documento sobre 'Buenas prácticas en museos y centros de arte'. Según el Ministerio, "este texto no tiene carácter normativo, sólo comprometerá a aquellas instituciones que lo asuman y sin que en ningún momento esto suponga el desistimiento de la responsabilidad política y cultural de las instituciones las cuales, por otra parte, dispondrán del control de los tiempos a la hora de poner en práctica las recomendaciones incluidas en el texto".
Según el Ministerio, "el documento sobre 'Buenas prácticas en museos y centros de arte' es el resultado de las conversaciones iniciadas el pasado mes de junio entre el Ministerio de Cultura y varias asociaciones del sector: el Instituto de Arte Contemporáneo, la Asociación de directores de museos y centros de arte contemporáneo de España; la Unión de Asociaciones de Galerías de Arte Contemporáneo; el Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo; el Consejo de Críticos de Arte y la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales. El texto abarca importantes aspectos relacionados con los museos y centros de arte contemporáneo, que van desde las estructuras de gestión de los mismos, hasta la composición, elección y funciones de los patronatos, pasando por la selección de los directores o directoras de estos centros o el papel social de los museos y centros de arte.
"El documento aboga por que las estructuras de gestión de los museos y centros de arte contemporáneo tienen que quedar al servicio de la organización y de su capacidad para conectar con la sociedad. En este sentido, señala que estas estructuras tendrían que caracterizarse por el principio de autonomía plena. En virtud de lo recogido por este texto, las estructuras de gestión deben tener como objetivos asegurar la viabilidad del proyecto, supervisar su agilidad y consistencia, facilitar el control externo, garantizar la provisión de los recursos económicos indispensables y ayudar a captar recursos y servicios adicionales. Estas estructuras deben, asimismo, tender a ser duraderas en el tiempo.
"En lo que se refiere a los patronatos de los museos y centros de arte contemporáneo, el texto recomienda que la composición de los mismos garantice la presencia de representantes de la administración pública titular, de miembros de la sociedad civil y de expertos y científicos. Según recomienda el documento de buenas prácticas, la representación de estos tres grupos debería obedecer a los siguientes criterios de proporcionalidad: entre el 20% y el 33% de la administración titular, entre el 20% y el 33% de la sociedad civil y entre el 33% y el 50% de expertos y científicos. El texto incluye que el patronato tiene que acordar y hacer públicas normas de conducta que eviten cualquier conflicto de intereses de sus miembros en perjuicio de los proyectos, adquisiciones o posibilidades de financiación del museo.
"Según se expone en el documento de buenas prácticas, la elección de los directores de los museos tendría que hacerse mediante concurso. Además, la duración contractual de los directores debería desvincularse de la duración de la legislatura, por lo que se recomienda el contrato de cinco años. El texto expone igualmente las normas básicas por las que debe regirse el nombramiento de los directores de museos y centros de arte".
[Fuente: www.tiempodehistoria.com]

Editada una guía histórico-artística de la Alhambra y el Generalife

La Alhambra y el Generalife. Guía Histórico-Artística, es un exhaustivo itinerario por el interior del recinto de la Alhambra y la almunia del Generalife, a modo de guía práctica, pero también un recorrido estético y conceptual, y un instrumento de reflexión cultural y de halago de los sentidos, según ha sido concebido por los autores, María Elena Díez Jorge, Manuel Gómez-Moreno y Pedro A. Galera, quienes junto a los paseos e itinerarios por el conjunto monumental nazarí, proponen un acercamiento singular por los espacios, la vida y las gentes que lo habitaron. Las recepciones, las fiestas y las celebraciones, los espacios femeninos y los espacios masculinos, la vida diaria en la ciudad palatina, son objeto de análisis en este libro editado conjuntamente por la Universidad de Granada y la Consejería de Innovación, Ciencia y Empresa de la Junta de Andalucía, con la colaboración del Colegio Oficial de Aparejadores y Arquitectos Técnicos de Granada.
La simbología, la arquitectura, la defensa, los usos de los espacios, la feminidad y la masculinidad, las estéticas nazarí y cristiana, son aspectos esenciales en este libro coordinado por la profesora del departamento de Historia del Arte de la Universidad de Granada, Dra. María Elena Díez Jorge, en el que se trasciende la guía histórica y monumental de la Alhambra, para adentrarse en los ámbitos de la investigación y el estudio. Pero esta obra es, al mismo tiempo, un instrumento documentado y exhaustivo para recorrer tanto el interior del conjunto amurallado como otros espacios y lugares del entorno monumental, como el Palacio de Carlos V, la Dehesa del Generalife, la Cuesta de los Chinos, o emprender un itinerario de los jardines o del agua.
A los textos de Díez Jorge, Gómez-Moreno y Galera Andreu, se añaden la cuidada fotografía de Vicente del Amo y del propio José Manuel Gómez-Moreno, así como los planos realizados por Lourdes Gutiérrez Carrillo (Universidad de Granada), basados en el plano catastral, a excepción de los indicados de Antonio Orihuela Uzal (Escuela de Estudios Árabes, CSIC).
Un libro, pues, práctico para recorrer todo el conjunto monumental, pero a la vez sugerente y atractivo por su rango estético y por su aportación conceptual; por su propuesta diversa y rica acerca de las relaciones entre la arquitectura y la religión, los roles masculino y femenino, la ornamentación y la imágenes, las leyendas románticas y la investigación científica.
El volumen fue presentado por el profesor de Historia del Arte Dr. Mateo Revilla Uceda, el pasado 12 de diciembre de 2006, a las 13 horas, en la Librería Universidad de Granada (Plaza de Isabel la Católica, número 4).
[Fuente: GranadaDigital]

Dafen (China), la ciudad de los copistas

En Dafen, un pueblo de pintores en la provincia de Shenzhen, a 30 kilómetros de Hong Kong (China), más de 8.000 artistas producen anualmente cinco millones de cuadros para la exportación, copiando obras de maestros como Van Gogh, Leonardo Da Vinci, Picasso y tantos otros. Los trabajadores más rápidos consiguen pintar hasta 30 cuadros al día.
El primer taller de pintura fue fundado por el propietario de una impresora en Hong Kong en 1986. Ahora existen más de 400 talleres similares en esta localidad conocida como Villa de Pintura al Óleo de Dafen. En todos ellos hay miles de hombres y mujeres jóvenes del sur de China que producen anualmente grandes volúmenes de cuadros. Son los llamados “pintores-trabajadores” que pueden llegar a trabajar 10 horas por día los seis días de la semana.
Y es que China está aplicando al arte las mismas técnicas de manufactura que la convirtieron en el proveedor líder de juguetes y electrodomésticos. Se estima que en el sur de China hay 20 mil pintores-trabajadores, incluyendo más de 3 mil en Shenzhen.
La mayoría de las pinturas producidas en el sur de China son copias, y son creadas por grupos en los que cada pintor-trabajador se hace responsable de cierto conjunto de colores o pinturas copiados de la fotografía de un trabajo ya existente. Muchos son también producidos por una persona que pinta la misma obra una y otra vez. Así hay especialistas en hacer Van Goghs, de hecho hay trabajadores que aseguran haber pintado más Van Goghs que Van Gogh mismo. No obstante, otras son fabricadas mediante la impronta de una impresión en un lienzo, en el que posteriormente los trabajadores rellenan las líneas.
A pesar de la potencial problemática de propiedad intelectual que se puede originar por hacer copias de obras de arte, Ren Xiaofeng, subdirector de la oficina de administración del distrito, cuenta que la aldea nunca ha sido demandada.
Las piezas que se copian en Dafen ya están en el dominio público y por lo tanto no incluyen el derecho de autor, dijo. "La gente sabe que no son los originales". En parte es por eso que Dafen no es una comunidad de artistas bohemios. No le avergüenza tener motivos comerciales. "Las personas de aquí no tienen la intención de ser artistas", dijo Ren.
[Fuente: Artelista]

World Press Photo 2007

World Press Photo es una organización independiente y sin ánimo de lucro fundada en Ámsterdam en 1955. Desde entonces convoca este certamen conocido por ser el más prestigioso en el mundo de la fotografía de prensa. La fecha límite para la recepción de participaciones es el 11 de enero de 2007.
El concurso de World Press Photo, que comenzó de forma muy modesta en 1955, en la actualidad cuenta con la participación de 83.000 fotografías de 4.400 fotógrafos de más de 120 países del mundo, convirtiéndose en el certamen de fotoperiodismo más notable del mundo.
Su objetivo es dar soporte internacional y atención a los reporteros gráficos profesionales. ''Mostrar lo mejor del fotoperiodismo significa que siempre dependemos de lo que se está presentando en periódicos y revistas, pero, las personas tienden a ver World Press Photo como un panorama general de los hechos periodísticos anuales y eso es muy difícil", dice Munneke, director de World Press Photo.
Los ganadores, además de pasar a formar parte de una exhibición que recorre más de 40 países en todo el mundo y que es visitada por más de un millón de personas, ven sus fotos publicadas en un anuario que se publica en seis lenguas.
De este concurso han salido imágenes que explican la historia reciente de nuestro mundo. Muchas de ellas fueron tomadas por buenos fotógrafos que antepusieron el derecho a la información a su propia seguridad, lidiando entre disparos y catástrofes, poniendo su propia vida en juego muchas veces. Fotografías hechas para la concienciación, que quedarán guardadas por siempre en la memoria de aquellos que lo vivieron, y en la historia misma de la humanidad.
La información sobre inscripción en el concurso World Press Photo 2007 está ahora disponible en nueve idiomas (Inglés, Español, Portugués, Alemán, Francés, Italiano, Ruso, Chino y Árabe) en su página web.
[Fuente: Artelista]

Fallece el dibujante de cómics Dave Cockrum, creador de la nueva Patrulla X

El artista Dave Cockrum, uno de los dibujantes que ayudaron en la década de 1970 a impulsar la industria del cómic en Estados Unidos, y en concreto a la factoría Marvel, murió el pasado domingo a los 63 años en su casa de Belpon. Según su mujer, Paty, la causa de la muerte fue una complicación de diabetes. Según su mujer, Cockrum murió en su silla favorita, vestido con su pijama de Supermán y arropado con su manta de Batman.
En Marvel ayudó al guionista y escritor Chris Claremont a rehacer a la famosa Patrulla X, un grupo de personas mutantes con poderes especiales. Allí colaboró en el origen de míticos personajes del cómic, y ahora también del celuloide, como Tormenta, Coloso o Rondador Nocturno y oscureció el carácter de las historias.
Cockrum también ha trabajado para D.C. Cómics, casa de personajes como Batman, Supermán o Flash.
[Fuente: EL PAÍS]

Editado el número 60 de la revista PH

El nº 60 de la revista PH Boletín del Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico, que acaba de editarse, pretende reflexionar sobre la complejidad conceptual de una categoría patrimonial como la de Itinerario Cultural y reflejar qué está sucediendo en la práctica cultural cuando se trata de identificar, proteger, difundir o explotar turísticamente esta nueva figura. Para ello se ha contado con la desinteresada participación de 16 autores procedentes de distintas universidades e instituciones españolas y alguna extranjeras; con la colaboración para la elaboración de contenidos y aportación gráfica de 7 instituciones más; y con las imágenes de 21 profesionales del patrimonio, algunos de ellos fotógrafos en ejercicio. No podemos olvidar en esta rápida referencia a todos los compañeros y compañeras que desde dentro del IAPH apoyan la labor de publicación.
Este monográfico sobre Itinerarios culturales y rutas turístico-culturales ha sido coordinado por el catedrático de la Universidad de Extremadura y Vicepresidente del Comité Nacional de ICOMOS, Antonio-José Campesino.
Además del monográfico, otro de los aspectos destacados de PH60 es la inauguración de la sección Actuaciones. Desde ella se pretenden impulsar de una manera decidida los contenidos vinculados al patrimonio inmueble: proyectos y obras de conservación y rehabilitación, de puesta en valor, de intervención en el espacio público, dentro y fuera de Andalucía, tendrán cabida en estas páginas.

Índice:

Noticias
Monográfico. Itinerarios culturales y rutas turístico-culturales
Diseño y programación de itinerarios culturales. Mª Isabel López Fernández
Itinerarios temáticos de la Andalucía barroca. Proyecto Andalucía Barroca 2007
Los itinerarios culturales en internet. Mª Luisa Bellido Gant
Itinerarios y rutas: herramientas para la documentación y puesta en valor del patrimonio cultural. Gema Carrera Díaz
Ejes del turismo cultural en la Eurorregión Galicia-Norte de Portugal. Xulio Pardellas
Ciudades abaluartadas de la raya ibérica: de frontera a paisaje cultural de la humanidad.
Antonio-José Campesino Fernández, Alberto Darias Príncipe, Domingos Bucho
Rutas culturales. Recurso, destino y producto turístico. Enrique Torres Bernier
Legado Andalusí: recuperando una memoria del pasado para mejorar el presente.
Fundación El Legado Andalusí
Rutas patrimoniales en bicicleta. Otro modo de reconocer paisajes de la memoria. Carlos
Villar Díaz
¿Por qué no funcionan turísticamente algunos itinerarios o rutas culturales? Juan Ignacio
Pulido Fernández
Rutas culturales y turismo en el contexto español. Juan Ignacio Rengifo Gallego
Ruta de Don Quijote. Un personaje literario... un producto turístico. María Lourdes Campos Romero
La adjetivación "cultural" como atributo adulterado del nuevo ocio teledirigido. David
Senabre López
Uso y abuso de medios interpretativos en los itinerarios culturales. Renee Sivan
Para saber más. Bibliografía especializada sobre itinerarios y rutas. Antonio-José
Campesino Fernández
Actuaciones. La arquitectura civil defensiva en la provincia de Cádiz
Castillo de Jimena de la Frontera. Descripción de una estrategia de intervención. Francisco
Reina y Miguel Ángel Tabales
Intervención en el Castillo de Castellar de la Frontera. Francisco Reina, Juan Miguel Pajuelo,
Raquel Utrera
Agenda
Entrevista. Miguel Ángel Troitiño: "No todo el patrimonio puede ni debe tener función
turística"
Formación del IAPH
Calendario
Convocatorias
Publicaciones
Literatura y patrimonio. Los años con Laura Díaz. Carlos Fuentes
Novedades
Reseñas
[Fuente: IAPH]

Editada la Enciclopedia del Museo del Prado

El Museo del Prado acaba de sacar a la calle una publicación en la que pone toda la información relativa a la pinacoteca al alcance de los ciudadanos. Se trata de la Enciclopedia del Museo del Prado, cuya puesta de largo presidió la Reina el pasado martes 21 de noviembre de 2006. El propio director de la pinacoteca, Miguel Zugaza, se refería a él como "el proyecto editorial más ambicioso de la historia del museo".
La obra la componen seis volúmenes (uno temático y seis alfabéticos), que incluyen biografías de todos los artistas representados en el museo, información sobre donaciones, legados y exposiciones temporales, una selección de 162 obras maestras, una exhaustiva cronología desde 1875 hasta el cierre de la edición... Se puede consultar información sobre sus colecciones y las residencias reales, la arquitectura del museo, la historia de su Patronato, además de numerosas curiosidades. En su elaboración han participado 130 especialistas de todo el mundo.
Editada por la Fundación Amigos del Museo del Prado, en colaboración con Tf Editores, y con el patrocinio de Fundadores 2000 y la Fundación Caja Madrid, esta magna obra ha contado con una inversión inicial de 1.200.000 euros. Cifra que se incrementará, puesto que no se ha concebido como una obra definitiva. Se irá completando, actualizando y corrigiendo. El objetivo es que la enciclopedia esté disponible en la Red. Dirigida por Francisco Calvo Serraller, ex director del Prado, esta obra ha contado con dos comités: uno de honor, en el que junto al actual director del museo están otros cinco ex directores (Fernando Checa, Felipe Garín, José María Luzón, Alfonso Emilio Pérez Sánchez y José Manuel Pita Andrade), y otro científico, en el que hay nombres tan destacados como Jonathan Brown, Nigel Glendinning, Peter Cherry, Nicola Spinosa, Valeriano Bozal o Fernando Marías.

Zugaza subraya la novedad de planteamientos -es la primera enciclopedia de un gran museo histórico-, el rigor y la vocación didáctico-divulgativa de este proyecto: "El museo abre sus puertas y ventanas. Con esta obra se ofrece una nueva accesibilidad a la historia del museo y sus colecciones. El Prado se está ampliando física y también intelectualmente con el edificio de conocimiento que es esta enciclopedia". Para Calvo Serraller, es "un estudio ampliamente autorizado, en el que han participado los mejores historiadores del Arte del mundo".
[Fuente: ABC]

Presentado el libro 'Rafael Canogar. El paso de la pintura', de Víctor Nieto Alcaide

La editorial Nerea ha presentado hoy, 23 de noviembre de 2006, a las 12:00 horas en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, su última novedad editorial: Rafael Canogar. El paso de la pintura, de Víctor Nieto Alcaide, en la que participaron Rafael Canogar y el autor del libro.
Rafael Canogar (Toledo, 1935) es, sin discusión, uno de los grandes artistas de nuestro tiempo. Tras pasar por el estudio de Daniel Vázquez Díaz, inició su fructífera trayectoria en el informalismo y fundó el grupo El Paso (1957-1960), referencia fundamental en la historia de la pintura española del siglo XX.
Ha participado en incontables exposiciones individuales y colectivas en prestigiosos museos por todo el mundo, y en el fallo de numerosos premios y bienales internacionales. Asimismo ha impartido talleres y pronunciado innumerables conferencias en diversos países de Europa y América.
Entre los diversos premios y distinciones recibidos figuran la Paleta de Oro en el Festival Internacional de la Pintura, Cagnes-Sur-Mer, 1969; el Gran Premio de la Bienal de São Paulo, Brasil, 1971; el Gran Premio de la Trienal Internacional de la Pintura, Sofía, 1982; el Premio Nacional de Artes Plásticas, Madrid, 1982; la Encomienda de la Orden de Isabel la Católica, Madrid, 1991; la Medalla de Oro de la Comunidad de Castilla-La Mancha, 2002; y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2003.
Es Chevalier de L'Ordre des Artes et Lettres de Francia (1985), miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (1998) y Doctor honoris causa por la U.N.E.D. (2001). Sus obras figuran en los más prestigiosos museos y colecciones públicas del mundo.
Según el autor del libro, Víctor Nieto, "las «pinturas» de Canogar no son una sucesión de etapas que se van acumulando en el tiempo, sino que son una suma de experiencias que alteran el contenido de todo lo anterior y, la vez, desarrollan numerosas cuestiones que, de una forma consciente o inconsciente, habían quedado suspendidas en la conciencia del pintor. La obra de Canogar es un incesante buscar y horadar en sí mismo para dar respuesta a los estímulos e impactos de la realidad exterior. Pintor cargado de inquietudes, dotado de una sorprendente actividad, con el entusiasmo de un artista joven que se inicia en la lucha constante para encontrar un lenguaje propio, Rafael Canogar es un hombre sosegado, de una profunda humanidad, pleno de impulso vital y equilibrado. Como es su pintura: todo lo contrario de un acto de gesticulación y espectáculo. Para Canogar su arte es rigor, reflexión, proyección de una racionalidad teórica que nunca se aparta de unos elementos esenciales y primarios de la pintura".

125 aniversario de Pablo Gargallo

En el 125 aniversario del nacimiento del gran escultor español Pablo Gargallo, La Pedrera de Barcelona (Centre Cultural Caixa Catalunya) le rinde homenaje exponiendo 78 esculturas, 16 dibujos y 11 cartones que muestran desde lo más modernista a lo más vanguardista de este artista, barcelonés de adopción y parisino por devoción. La exposición se podrá visitar hasta el 28 de enero de 2007. La entrada es gratuita.
La muestra recorre la trayectoria del escultor aragonés Pablo Gargallo (Maella 1881 – Reus 1934) en la que se evidencia la dualidad de planteamientos que marcó toda su obra. Veremos desde una línea de estilo clasicista e influencia modernista, hasta sus trabajos de carácter más innovador y de raíz más vanguardista.
La exposición incluye una de las piezas más populares del escultor, Gran profeta, junto a tres de sus bocetos preparatorios, además de autorretratos, una serie con Greta Garbo de protagonista, y un retrato y una máscara de Pablo Picasso, entre muchas otras obras. El conjunto de obras expuesto proviene de más de una veintena de museos y colecciones, no sólo de Zaragoza y Barcelona sino también de Francia (París, Ribesaltes, Ceret, Grenoble, Dijon, Marsella), de Suiza, Bélgica, Madrid y Nueva York, etc...
Conocido por su talante renovador, Pablo Gargallo es un autor clave en la evolución de la escultura contemporánea y fue uno de los representantes del Noucentisme catalán, una corriente artística que apostaba por el clasicismo desde una mirada moderna. Fue precisamente en este bullicio creativo en el que se formó Gargallo y de donde surge la depuración del tratamiento de las formas, una de las características esenciales de su obra.
Pero no sólo vivió en Barcelona, el artista español vivió a caballo entre la capital catalana y París. Allí fue donde conoció la obra de Auguste Rodin.
Gargallo es hoy en día uno de los escultores españoles más internacionales de las vanguardias. Después de su paso por Barcelona esta exposición se podrá ver del 22 de febrero al 22 de abril de 2007 en la Lonja de Zaragoza.
[Fuente: Artelista y Fundació Caixa Catalunya]

Recuperado el cuadro de Goya robado en Nueva Jersey (EE.UU.)

“Niños en el carretón”, un lienzo pintado en 1778 por Goya, fue robado la semana pasada cuando era transportado hacia el Museo Guggenheim de Nueva York. La empresa aseguradora ofrece una recompensa de 50.000 dólares a quien dé una pista que permita su recuperación. Este Goya es sólo una más de las muchas obras que se roban cada año.
La obra ha sido recuperada en perfecto estado. El FBI encontró ayer, lunes 20 de noviembre, el lienzo de Goya en Nueva Jersey, y según informaron, volverá pronto al propietario de la obra, el Museo de Toledo (Ohio).
Quizá porque superó hasta los pronósticos más optimistas, este rápido desenlace siembra ciertas dudas sobre el robo. El cuadro, asegurado en 1,1 millones de dólares (780.000 euros), había desaparecido del furgón de una empresa especializada en transporte de obras de arte, en los alrededores de la ciudad de Filadelfia. Lo trasladaban del Museo de Arte de Toledo (Ohio) al Guggenheim de Nueva York, donde iba a ser una de las 134 obras de la exposición “Pintura española de El Greco a Picasso. Tiempo, verdad e historia”.
La noticia del robo se supo una semana después, cuando ambos museos emitieron un comunicado donde se supo que la compañía aseguradora ofrecía 50.000 dólares (unos 37.500 euros) a quienes aportaran información al FBI sobre el paradero de la obra.
Aunque "Niños en el carretón" no está entre los trabajos más conocidos de Goya (1746-1828), muchos expertos coincidieron con el FBI en que se trataba de un cuadro invendible, incluso dentro del mercado negro, debido al alto perfil del artista.
Ayer, después de que el FBI anunciase la recuperación de la pintura en Nueva Jersey, la agencia EFE aseguraba que "el cuadro fue localizado después de que un ciudadano, del que no se ha facilitado el nombre, llamara al número de teléfono que puso a disposición el FBI". No se dieron precisiones sobre el lugar, el momento y el modo en que la recuperaron.
El robo del cuadro no es el primero que tiene como protagonista una obra de Goya. Muy sonado fue, en agosto de 2001, el robo de 17 cuadros de la colección de Esther Koplowitz, entre los que se hallaban dos goyas: "El columpio" y "La caída del burro".
Estos goyas son sólo un ejemplo más de los muchos cuadros que se roban anualmente. Según los expertos hay unos 170.000 cuadros desaparecidos, muchos de ellos robados de casas privadas, de museos o de almacenes, entre los cuales 167 Renoirs, 166 Rembrandts, más de 200 trabajos de Salvador Dalí y 175 Warhols. Éste ha tenido un final feliz.
[Fuente: Artelista]

Exposición sobre la iconografía religiosa navideña de la América virreinal

Mañana, 21 de noviembre de 2006, se inaugurará en el Museo de América de Madrid la exposición 'Magos y pastores. Vida y arte en la América Virreinal', formada por una amplia selección de más de doscientas piezas de iconografía navideña, integrantes de ese mundo barroco, de lujo y fantasía en el arte colonial, que "habla del amor de una sociedad por sus tradiciones". La muestra, que permanecerá abierta hasta el 29 de abril de 2007, reúne una selección de piezas del arte colonial más representativo: pinturas -algunas de ellas con incrustaciones de nácar-, imágenes religiosas bordadas o realizadas con plumas y figuras escultóricas de ángeles, magos, pastores y demás personajes del imaginario religioso.
Tomando el belén como punto de partida, la exposición supone una ocasión única para aproximarnos a esa realidad y valorar las aportaciones culturales del mundo americano. Esta muestra se presenta como una invitación a descubrir la vivencia y la plástica del hecho religioso en el mundo virreinal pero también nos sugiere una nueva y diferente aproximación a la realidad americana ya que en los belenes se encuentran valiosas claves que permiten comprender mejor la sociedad de aquellas tierras en tiempos de su pertenencia a la Corona Española. La explicación de algunas de esas claves es el objetivo de la presente exposición, realizada en exclusiva con piezas procedentes de las colecciones del Museo de América, la mayor parte de ellas expuestas ahora por primera vez. Según los organizadores, "la mayoría de estas piezas, todas ellas procedentes de las propias colecciones artísticas del Museo, están realizadas en ricos materiales, tales como marfil y alabastro, labrados en India o China, lacas japonesas, vajillas, mobiliario y textiles, junto con otras piezas elaboradas en materias más humildes, de cerámica, o barro cocido, pero todas ellas engalanadas con hermosas policromías o vestidas con ricos trajes y otros aderezos como las coronas de oro y plata; además del mobiliario y complementos diversos".
La exposición que alberga el Museo de América muestra el Belén tradicional, un belén simbólico y no realista, con matices heterodoxos y que contiene en sí mismo tanto el plano terrenal como el celestial. De ahí, que entre sus personajes principales aparezcan tanto la Trinidad y los ángeles, como los protagonistas del drama humano: María, la madre de Jesús; José, su padre ante la sociedad; el propio Jesús, como recién nacido, las gentes humildes, representadas en los pastores, y los poderosos, figurados en los Reyes Magos. También se incluyen algunos animales, simbolizando las profecías, y elementos secundarios. El arte americano, entremezclando técnicas y recursos estéticos, ha dotado a estas pequeñas imágenes de una fuerte personalidad que también se refleja en la pintura, constituyendo un testimonio precioso de tradiciones propias, algunas ya perdidas en la Península.
La exposición, comisariada por Letizia Arbeteta, ilustra así toda una faceta de la vida americana, de clara inspiración devota o religiosa, pero que evoca la sociedad virreinal en la que con el tiempo, los magos pasan a ser el inca, el mestizo, el negro, o bien son negros que escoltan a un solo personaje blanco. Hasta la figura del Cristo también se transforma, fundiéndose en el imaginario colectivo con las deidades del sol naciente, o el niño de oro “Punchao”, y hasta la misma Virgen María se vuelve icono de la identidad de los nuevos territorios y ciudades, como es el caso de la Virgen de Guadalupe mexicana o de la Virgen de Quito.
Por su parte, también los pastores dejan poco a poco de participar en la escenificación religiosa del Nacimiento, para pasar a convertirse en otros personajes populares, y con los siglos, en iconos patrióticos de la Independencia, tal y como sucede con ciertas figuras ayacuchanas. Con todo, el denominador común de la exposición resulta ser, tal y como se nos revela, esa extendida afición por los pesebres, nacimientos o belenes, que se instaura en la sociedad colonial americana, y que pese a ser una tradición europea introducida por los españoles, alcanza en América un extraordinario desarrollo que se expresa con gran riqueza artística y material.
De ahí, que con la exposición se trate de explicar el origen de estas tradiciones y el enorme arraigo que alcanzan en la sociedad de los virreinatos americanos; pero que constituyen el mejor pretexto para atisbar la vida cotidiana en cada uno de ellos y, en especial, el ciclo de sus fiestas y celebraciones.
Así, dentro de la selección reunida, se destaca la rica colección de tipos populares que nos aportan algunos datos inestimables sobre la riqueza y variedad del mosaico social americano, con obras maestras del arte de lo minucioso, y cuyo realismo contrasta con la dorada belleza de los personajes sacros.
La mayoría de estos espectaculares objetos -fechados entre los siglos XVII y XX- han sido restaurados para la ocasión, y se exponen por vez primera al público, lo que hace de esta exposición un evento irrepetible, al tiempo que muestran una parte hasta ahora muy desconocida de las colecciones del Museo de América, entre las que se incluyen los ricos fondos procedentes de la antigua Audiencia de Quito que, además de exhibirse una vez finalizada su minuciosa restauración, se acompañan de un amplio estudio general y de un catálogo razonado.
[Fuente: Museo de América, Madrid]

Simposio sobre los conceptos de mozarabismo y mudejarismo, en León

Próximamente se celebrará en León un Simposio Internacional sobre 'El legado de Al-Andalus. El arte andalusí en los Reinos de León y Castilla durante la Edad Media', en el que especialistas de distintos países revisarán los conceptos de 'mozarabismo' y 'mudejarismo' aplicados a la historia del arte. El coordinador científico de este encuentro es el catedrático de Historia del Arte de la Universidad de León, Manuel Valdés, quien anunció que en total serán quince ponentes de diversas universidades españolas y de otros países los que intervendrán. El simposio se celebrará del 29 de noviembre al 1 de diciembre en León, organizado por la Fundación Patrimonio Histórico de Castilla y León. Hace un siglo y medio desde que, en 1856, se propusiera el término ‘mudéjar’ para calificar las producciones de musulmanes en territorio cristiano en la península Ibérica. En 1919 se empezó a usar el vocablo ‘mozárabe’ para definir un conjunto excepcional de creaciones artísticas que se produjeron a principios del milenio pasado, de la mano de las comunidades cristianas que subsistían en territorio andalusí. En ambos casos, se produjeron todo tipo de trasvases culturales en las dos direcciones entre lo cristiano y lo islámico. Valdés recordó que 'fueron 750 años los que coexistieron dos culturas y dos religiones distintas', al referirse al poder musulmán en la península Ibérica durante la Edad Media, desde 711 a 1492, que dejó influencias en forma de idioma, gastronomía, incluso formas de explotación de la tierra, además del arte. El simposio contará con destacados investigadores como el profesor de la Universidad de Northwestern, de Illinois (EE.UU.), Otto Karl Werckmeister, que tratará el miércoles 29 de noviembre el tema de 'Santo Domingo de Silos, 1 de julio de 1109. El Beato Ideal'. El viernes 1 de diciembre participará el profesor de la Universidad de Tübingen (Alemania), Peter K. Klein, quien hablará sobre 'La imagen de los moros y judíos en las cantigas de Alfonso X el Sabio'.
Entre los expertos españoles, figura la profesora de la Universidad Central de Barcelona, Milagros Guardia, quien dará el 29 de noviembre una conferencia sobre 'De Peñalba de Santiago a San Baudelio de Berlanga. La pintura mural de los siglos X y XI en el reino de León y Castilla'.

El Naranco nació como corte alternativa en la guerra entre Ramiro I y Nepociano

Santa María del Naranco [Foto: Alejandro Pérez Ordóñez]

El conjunto prerrománico del Naranco (Oviedo, Asturias) surgió como corte del reino asturiano alternativa a Oviedo en el contexto de una guerra civil entre Ramiro I y Nepociano. Esa es la hipótesis de trabajo que aporta José Avelino Gutiérrez, catedrático de Arqueología de la Universidad de Oviedo en su introducción al tomo primero de la Enciclopedia del Prerrománico que publicará la Fundación Santa María de Aguilar de Campóo, Centro de Estudios del Románico.
La historia nos dice que Alfonso II carecía de descendencia y Ramiro, hijo de Bermudo I, se encontraba en Castilla para contraer matrimonio con Urraca, cuando falleció el monarca asturiano. Añade que el conde palatino Nepociano, casado con una hermana de Alfonso, se hizo con el trono. Ramiro se enfrentó a él, le sacó los ojos y fue coronado rey.
Eso es lo que dicen las crónicas medievales, pero José Avelino Gutiérrez afirma que se trata de una versión manipulada de los hechos. Hoy surge otra tesis y esa es la que él apunta: Al morir Alfonso II sin hijos se establece una pugna entre Ramiro I y Nepociano. El primero da un golpe de Estado y se desencadena una guerra civil en torno al año 844 que dura unos ocho años. En este momento, explica el profesor, hay dos reyes en Asturias: Nepociano en Oviedo, y Ramiro, que construye una corte alternativa en el Naranco.
Esta hipótesis es fruto de las investigaciones derivadas de proyectos de estudio de los territorios medievales en relación con las cortes del reino astur. El equipo, constituido por los profesores de la Universidad de Oviedo Lorenzo Arias, Javier Fernández Conde y el propio José Avelino Gutiérrez, estudió la primera sede de la monarquía asturiana, Cangas de Onís, y posteriormente, acometió el estudio histórico y arqueológico del entorno de Oviedo.

San Miguel de Lillo [Foto: Alejandro Pérez Ordóñez]

La tesis de José Avelino Gutiérrez, tras los últimos estudios, es que Ramiro eligió el Naranco como sede de la corte alternativa por su situación dominante sobre Oviedo. Era un lugar estratégico y en Lillo sitúa una villa y un complejo palatino que quiso emular a Spania (al-Andalus), la España islámica que entonces era el esplendor (se estaba construyendo la mezquita de Córdoba).
Explica el autor de este estudio que los medallones del palacio del Naranco tienen escritura árabe cúfica y los sistemas de bóvedas son los que en ese momento se están haciendo en Córdoba. "No es una obra hecha al azar", explica. "Posiblemente Ramiro trae a arquitectos expertos que que conocen la arquitectura de Roma, Rávena o Aquisgrán. Lo hace como una forma de ostentación de poder".
Fue una apuesta fuerte. Los constructores tuvieron que hacer un corte importante en el terreno, una terraza limitada por un muro de piedra. Se sabe que el edificio de Santa María disponía de baños y José Avelino Gutiérrez cree que podían estar situados bajo el mirador que ahora contiene un ara.
El profesor explica que la sede regia de Ramiro I estaría formada por el aula palatina -hoy Santa María- que serviría para recepciones, ceremonias y lugar para impartir justicia; además habría una iglesia, San Miguel; y también otros edificios de servicio para viviendas de los cortesanos, almacenes, caballerizas...
El hecho de que lo mejor conservado hoy sea Santa María se debe a que éste era el edificio noble; San Miguel ya no tuvo tanta suerte; el terreno pisó y se llevó buena parte de la iglesia; se supone que el resto de los inmuebles eran una arquitectura casi efímera, hechos de madera y barro. La propia casa del rey debía estar situada entre Santa María y San Miguel, afirma José Avelino Gutiérrez.
[Fuente: La Voz de Asturias]

Se propone declarar el arte rupestre de la cornisa cantábrica como Patrimonio Mundial

[Fuente: TiempodeHistoria.com]
El Consejo del Patrimonio Histórico, órgano de coordinación entre el Ministerio de Cultura y todas las comunidades y ciudades autónomas, se reunió los días 30 y 31 de octubre de 2006 en la localidad cántabra de Potes con motivo del Año Jubilar Lebaniego. En esta reunión, que presidió Julián Martínez, director general de Bellas Artes y Bienes Culturales, se aprobó que la candidatura 'El arte rupestre de la cornisa cantábrica' sea presentada ante la UNESCO para su posible declaración de patrimonio mundial. Esta candidatura será presentada por el Ministerio de Cultura en 2007 y la declaración final se produciría en 2008.
Según informó el Ministerio de Cultura, "este expediente, coordinado por la Comunidad Autónoma de Cantabria, cuenta también con la participación del País Vasco y el Principado de Asturias. Se trata de incorporar a la Lista del Patrimonio Mundial los yacimientos más representativos del arte rupestre en la Cornisa Cantábrica, como por ejemplo los de Tito Bustillo y Candamo en Asturias, Ekain y Santimamiñe en el País Vasco, o el Conjunto de Montecastillo, Covalanas y La Garma en Cantabria".
El arte rupestre paleolítico es una de las manifestaciones culturales más relevantes de la historia de la Humanidad. Aparte de sus cualidades propiamente estéticas, la importancia de este fenómeno deriva de su carácter representativo de una etapa crucial en la evolución humana: la aparición del homo sapiens.
Por otra parte, se ha estudiado el plan de trabajo y el modelo de convenio de colaboración que se va a suscribir entre el Ministerio de Cultura y las comunidades autónomas y que permitirá la realización a nivel nacional de un Inventario de los Yacimientos de Arte Rupestre situados en España.
A través de dicho convenio, se pretenden identificar e inventariar las cuevas, abrigos y lugares que contengan manifestaciones de arte rupestre, que, en virtud de lo establecido en la Ley del Patrimonio Histórico Español, son Bienes de Interés Cultural (BIC). Este inventario pormenorizado de cada yacimiento permitirá garantizar la aplicación de los mecanismos de protección jurídica contemplados en la ley y, a la vez, facilitar la investigación y conservación de las zonas arqueológicas.

SÍ A LA HISTORIA DEL ARTE ha alcanzado las 10.000 visitas. Gracias a todos

Este blog, SÍ A LA HISTORIA DEL ARTE, ha alcanzado, el pasado día 1 de noviembre de 2006, la cifra de 10.000 visitas. Desde aquí os doy las gracias a todos los que habéis conseguido sumar esta cantidad en nuestro año y medio de vida (más o menos) y la seguiréis incrementando.
Cada día sois más los lectores habituales de este espacio. Además, SÍ A LA HISTORIA DEL ARTE ha sido recomendado por entidades como las Bibliotecas Públicas de Oeiras (Portugal), en el BlogDay 2006; el diario EL PAÍS o la web Tiempo de Historia.
Todo ello implica un compromiso de calidad cada vez mayor y una responsabilidad creciente por ofreceros información actualizada y de interés sobre Historia del Arte en toda su variedad de campos y materias afines. Seguimos en la brecha.
Gracias y saludos.

Hispania Gothorum. San Ildefonso y el reino visigodo de Toledo

Alrededor de 600 piezas se mostrarán en la exposición Hispania Gothorum. San Ildefonso y el reino visigodo de Toledo, organizada por la empresa pública Don Quijote 2005 y que se exhibirá en el Museo de Santa Cruz de Toledo durante el primer semestre de 2007, coincidiendo con el decimocuarto centenario del nacimiento del santo.
Según informó la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, el Comité Científico Asesor de esta exposición, comisariada por Rafael García Serrano, director del Museo de Santa Cruz de Toledo, se reunió hoy en Toledo para perfilar la relación de piezas que formarán parte de este montaje, que a falta del cierre definitivo ya cuenta con cerca de 600 obras confirmadas.
Más de cincuenta prestadores, entre los que se encuentran el Museo Arqueológico Nacional, el del Prado y la Catedral de Toledo, colaborarán en esta exposición, la undécima muestra de gran formato organizada por el Gobierno de Castilla-La Mancha a través de la empresa pública para conmemorar el IV Centenario de la novela de Miguel de Cervantes.
Más de una veintena de autores, entre ellos Ricardo Izquierdo, catedrático de Historia Medieval y decano de Humanidades de la Facultad de Humanidades de Toledo; Wifredo Rincón, investigador del Consejo Superior de Investigaciones Científicas; Luis Balmaseda, conservador del Museo Arqueológico Nacional o Ramón Gonzálvez, presidente de la Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo, han participado en la redacción del catálogo de la muestra.
Los artículos del catálogo tratarán temas como el derecho visigodo, las nuevas ciudades, las necrópolis, la epigrafía, la música mozárabe o la transición del mundo visigodo a la época islámica.
Además, incluirá análisis sobre la figura, la obra, el entorno y la influencia de San Ildefonso, patrón de la ciudad de Toledo y una de las figuras más relevantes de la patrística hispana, en campos como la literatura y el teatro.
El Comité Científico Asesor de esta exposición está formado por Luis Balmaseda, del Museo Arqueológico Nacional; Angel Fernández Collado, director del Archivo de la Catedral Primada de Toledo; Ramón Gonzálvez, presidente de la Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo; Wifredo Rincón, del Consejo Superior de Investigaciones Científicas y Juan Pedro Sánchez Gamero, profesor del Seminario Conciliar de Toledo y canónigo de la Catedral Primada.