La exposición de 'Las Edades del Hombre' tendrá lugar en Cuéllar (Segovia) en 2017

Iglesia de San Esteban, Cuéllar. [Foto: Diputación de Segovia]

La exposición de Las Edades del Hombre ya tiene designada su sede para los tres próximos años. Cuéllar, Aguilar de Campóo y Lerma albergarán la muestra en 2017, 2018 y 2019, respectivamente. Desde su puesta en marcha, han visitado Las Edades del Hombre más de once millones de personas, en sus distintas sedes y ediciones.

La consejera de Cultura y Turismo de Castilla y León, María Josefa García Cirac, y el secretario general de la Fundación Las Edades del Hombre, Gonzalo Jiménez, han presentado el ciclo expositivo de Las Edades del Hombre para los tres próximos años. Cuéllar (Segovia) será la sede de la muestra en 2017; la edición de 2018 tendrá lugar en Aguilar de Campóo (Palencia) y la de 2019, en Lerma (Burgos).

Las Edades del Hombre constituye uno de los proyectos de mayor relevancia social y cultural, consolidado en torno al Patrimonio de Castilla y León, que han podido visitar en sus distintas sedes más de once millones de personas, en sus 28 años de vigencia y que se ha exportado a otros lugares como un exitoso modelo de gestión.

Las exposiciones de Las Edades del Hombre han contribuido en estos años a la conservación de nuestros bienes patrimoniales, gracias a las labores de restauración de los bienes muebles expuestos -alrededor de 2.400 obras de arte restauradas y cerca de 4.800 piezas expuestas- y de los inmuebles en los que se desarrolla el ciclo expositivo -28 templos restaurados-.

[Fuente: Clío en Red y Diputación de Segovia]

Convocatoria de becas MAEC-AECID de la Academia de España en Roma

Hoy se ha abierto el plazo de solicitud de becas para la Academia de España en Roma convocadas por el Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación (MAEC), a través de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID).
Las ayudas están dirigidas a artistas, investigadores y restauradores para la realización de proyectos creativos e innovadores que sirvan al objetivo de hacer de la Academia una plataforma internacional, laboratorio y escaparate de la cultura creativa española, europea e iberoamericana. Además del importe mensual de la beca se proporcionará residencia en régimen de alojamiento en la Academia durante el periodo de realización del proyecto y la financiación del mismo.

En esta convocatoria se ofrecen becas en la especialidad de Arquitectura en Restauración del Patrimonio Artístico y Cultural, en colaboración con la Fundación Rafael del Pino. Además, se concederán ayudas en las especialidades de Escultura; Pintura; Fotografía; Videocreación; Cine; Grabado; Diseño; Diseño de moda; Diseño gráfico y Netart; Arquitectura; Música y musicología; Artes escénicas; Literatura (beca Valle-Inclán); Cómic; Estética: teoría, filosofía y crítica del arte; Museología y comisariado de exposiciones.

Pueden solicitar estas becas ciudadanos españoles e iberoamericanos, así como ciudadanos de la Unión Europea residentes en España e italianos residentes en Italia, sin límite de edad. El plazo de solicitud termina el día 1 de abril. Más información en: http://bit.ly/1hIAhEN.

[Fuente: Clío en Red]

El estandarte de San Mauricio del Museo de Valladolid: Reliquias de Flandes en la Corte de España. 1604

El Museo de Valladolid celebra una exposición bajo el título El estandarte de San Mauricio del Museo de Valladolid: Reliquias de Flandes en la Corte de España. 1604. Esta exposición pretende dar a conocer una de las obras más sorprendentes que el Museo conserva entre sus colecciones. Se trata de un raro estandarte procesional de inicios del siglo XVII con las representaciones de San Mauricio y de San Víctor y San Urso, otros dos santos mártires de la Legión Tebana.




D. Fernando Pérez Rodríguez, Conservador del Museo y Bibliotecario-Administrador de Los Hijos de Diógenes, blog de los Amigos del Museo de Valladolid, pone a disposición de los interesados en el tema, el conjunto de posts que se han ido publicando con motivo de dicha exposición:

http://diogeneschilds.wordpress.com/2012/09/22/the-museum-of-valladolid-raises-the-banner-of-saint-maurice-again/ (texto resumen en inglés)

http://diogeneschilds.wordpress.com/tag/san-mauricio/ (enlace a la etiqueta que muestra el conjunto de los post dedicados al tema):

http://diogeneschilds.wordpress.com/2012/09/12/la-leyenda-del-martirio-de-san-mauricio-y-la-legion-tebana/

http://diogeneschilds.wordpress.com/2012/05/25/el-museo-de-valladolid-vuelve-a-levantar-el-estandarte-de-san-mauricio-18-de-mayo-dia-internacional-de-los-museos/

http://diogeneschilds.wordpress.com/2012/07/23/el-estandarte-de-san-mauricio-pieza-del-mes-de-julio/

http://diogeneschilds.wordpress.com/2012/10/02/la-restauracion-del-estandarte-de-san-mauricio/

[Fuente: Fernando Pérez Rodríguez, Conservador del Museo de Valladolid]

"Aedificare, Evangelizare, Servare". Cinco siglos de arquitectura en la catedral de Sevilla

El Presidente de Caja Madrid, Rodrigo de Rato, y el Arzobispo de Sevilla, Juan José Asenjo Peregrina, inauguraron la exposición "Aedificare, Evangelizare, Servare". Cinco siglos de arquitectura en la catedral de Sevilla. La muestra, instalada en el trascoro de la catedral, explica al público el proceso de construcción de este templo gótico, su conservación y sus distintas vertientes a través del tiempo, así como su ejemplar modelo de gestión.

La muestra forma parte del Plan de comunicación y difusión del Convenio de colaboración firmado por el Cabildo Metropolitano y la Fundación Caja Madrid en el año 2002 y que ha supuesto, por un lado, la reestructuración de los archivos Arzobispal y Capitular, dotándolos de unas nuevas y modernas instalaciones de archivo, estudio y consulta y, por otro, la restauración de la fachada de Poniente de la Catedral junto con las fachadas y azoteas de la Iglesia del Sagrario. El presupuesto total ha sido de 4.022.300 €, de los cuales la Fundación Caja Madrid ha aportado 2.103.575,92 €.

Información para el visitante

Horario de visita:

• De lunes a sábado de 11:00 a 17:30 horas.
• Domingos de 14.30 a 18.30 horas.

A la exposición se accede en el marco de la visita cultural a la catedral.

[Fuente: Fundación Caja Madrid]

Exposición de dibujos de arquitectura y ornamentación del siglo XVIII en la Biblioteca Nacional

Coincidiendo con el estudio, restauración y publicación del Catálogo razonado de los Dibujos de Arquitectura y Ornamentación del siglo XVIII de la Biblioteca Nacional de España, del 17 de septiembre al 22 de noviembre de 2009 está abierta una exposición representativa y selectiva de la riqueza de estos fondos. Según los organizadores, "en ella figuran algunos de los más bellos dibujos de arquitectura, proyectos, bocetos y otros apuntes, obra, fundamentalmente, de arquitectos y artistas españoles, italianos y franceses". Además de dibujos aislados, fruto de proyectos o de levantamientos y vistas de edificios ya construidos y de ciudades, también se exponen álbumes de dibujos de diferente carácter que ayudan a explicar las diferentes formas de uso y relación del arquitecto con ese instrumento disciplinar tan decisivo que es la representación gráfica. Tampoco faltan los que resultan de la encuadernación de un proyecto concreto o los que sirvieron para preparar ediciones de estampas de fiestas y otros acontecimientos efímeros, sin olvidar el género de los tratados de arquitectura y fortificación.

La Biblioteca Nacional explica las caracteristicas de esta exposición:
"Entre las diversas y riquísimas colecciones que atesora la Biblioteca Nacional de España, destaca la de dibujos de arquitectura y ornamentación. Se ha reunido, en esta ocasión, una selección de originales pertenecientes al siglo XVIII, periodo especialmente brillante que se debate entre la tradición barroca y el clasicismo arquitectónico. Siempre se ha considerado al dibujo como una especie de tránsito entre la idea del artista o del arquitecto, pegado a su mano, y el resultado final, la obra acabada. Unas veces, están más próximos a la idea o a las aspiraciones del proyecto y, otras, a la obra encargada o terminada.
Hay dibujos de arquitectura que nacen dependientes de su vinculación al proceso de proyecto y construcción, otros que persiguen hacer figurativas las ideas y algunos que se demoran en dibujar lo ya construido con anterioridad o, simplemente, en dibujar lo ya dibujado. También los hay abocetados a mano alzada, que era y es una manera de formular o de apropiarse con agilidad de una idea o de una obra ya hecha, y, también, trazados con la precisión de la regla y el compás. Así, entre la razón y la sensibilidad, entre la línea inequívoca y el trazo poéticamente impreciso, se ofrecen muchos de los dibujos y proyectos aquí expuestos y propios de una época que expresó de forma excepcional estas tensiones.

1. INTERPRETACIONES DE LA TRADICIÓN BARROCA. ENTRE MANERAS NACIONALES Y MODELOS ACADÉMICOS
La manera hispánica. Las tradiciones italianas y francesas
Los dibujos de arquitectura responden, prioritariamente, a necesidades proyectuales, sirviendo de guías metafóricas o a escala de lo que se quiere construir, oscilando entre la seducción que se desea conseguir por parte del comitente de la obra y las exigencias funcionales propias del desarrollo posterior del trabajo. En otras ocasiones solo quieren ser dibujos, quedarse en esa extraordinaria condición, más próxima a la idea del arquitecto que a su posible realización. Es el caso de tantos dibujos sin finalidad práctica, entendidos como ensayos de laboratorio, escenarios de nuevas propuestas y composiciones, o también de los que tienen una función formativa, ya sea en los talleres y estudios, en las propias obras, o en las Academias, que acabarán por dar el tono global del siglo XVIII, siguiendo, eso sí, modelos y tipologías cambiantes a lo largo de la centuria. Y se trata, esta última, de una cuestión crucial que debe entenderse en términos históricos. Es decir, como una tensión real entre ideas nuevas y prácticas tradicionales, casi siempre, Durante la primera mitad del siglo XVIII se produce una progresiva confrontación entre las prácticas tradicionales, por lo general herederas de la cultura barroca y tardobarroca, y principios teóricos y prácticos con vocación universal, identificables genéricamente con los diferentes clasicismos modernos.
Entre los dibujos de arquitectura y ornamentación del siglo XVIII que conserva la Biblioteca Nacional los hay procedentes de muy diferentes colecciones y orígenes, así como de distintos países europeos, siendo los españoles, como es lógico suponer, los más numerosos. Los arquitectos españoles supieron elaborar una acepción propia, una manera nacional hispánica, tentada por la teatralidad del barroco y por la retórica entendida como técnica de composición de citas de muy diferente genealogía, como puede comprobarse en los dibujos aquí expuestos de personalidades tan fuertes y representativas de toda esta época como Vicente Acero, Teodoro Ardemans o José Benito de Churriguera, entre otros muchos. La arquitectura francesa y la italiana fueron, sin duda, las más presentes e influyentes en la cultura arquitectónica española del siglo XVIII. De algunos de esos arquitectos, la BNE conserva varios dibujos excepcionales.

2. LA ARQUITECTURA CORTESANA Y COSMOPOLITA EN EUROPA
Italia y Francia como modelos.
El Palacio Real Nuevo de Madrid, la arquitectura cortesana y los orígenes de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando Los años centrales del segundo tercio del siglo XVIII son, posiblemente, de los más apasionantes de la historia de la arquitectura y, también, del dibujo arquitectónico. Son años marcados por tensiones y confrontaciones entre viejas y nuevas formas de entender el mundo, los del origen de la Ilustración y el inicio de la modernidad, los de la Razón y las Luces, sí, pero también los del comienzo de un período de quiebra y fractura que guarda en el reverso de su moneda las inquietudes de la sensibilidad y de lo irracional, de lo subjetivo y lo imaginario. Son años en los que los arquitectos y sus dibujos sirven, no sin dificultades, a razones propias del pasado y a novedades cosmopolitas e ilustradas, muchas veces confundidas entre la invención, el sueño, el capricho o la utopía y la codificación académica y cortesana, la propia del poder.
En España, durante ese segundo tercio del siglo XVIII, coinciden algunas de las más significativas y complejas aportaciones a la cultura arquitectónica de la época. Dos hechos fundamentales la caracterizan, y su influencia se prolongará a lo largo de todo el siglo. En primer lugar, los proyectos y construcción del Palacio Real Nuevo de Madrid y, en segundo, la creación de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, íntimamente vinculada a la obra misma del nuevo palacio, siendo sus propios artífices los primeros profesores de la Academia. La venida a España, llamado por Felipe V, del gran Filippo Juvarra (1678-1736), como lo denominara Piranesi, y posiblemente uno de los más importantes arquitectos europeos de ese momento, fue decisiva. Aunque su estancia fuera breve, lo que proyectó habría de prolongar su influencia en la arquitectura española de manera asombrosa.

3. LAS RUINAS DE ROMA Y LA ANTIGÜEDAD COMO MODELO
La imagen de Italia, de Roma y de las ruinas de la Antigüedad en Europa.
Los arquitectos españoles en Roma y en Italia
El destino inevitable de Italia es fundamental en el proceso de formación de muchos arquitectos españoles. La manía por lo antiguo y por lo clásico acabaría por definir, en cierta medida, las nuevas orientaciones de la arquitectura y de los sistemas y modelos de los dibujos. Es cierto que los que lograron hacer el Grand Tour no fueron muchos, pero dejaron algunos de los dibujos de arquitectura más significativos y bellos de la colección que conserva la Biblioteca Nacional de España. José de Hermosilla, Lois de Monteagudo o Juan de Villanueva se trajeron la primera memoria visual de las ruinas y antigüedades; pero, sin duda, las joyas pertenecen a arquitectos que viajaron después a Italia, como Silvestre Pérez o Isidro Velázquez.

4. LA ARQUITECTURA COMO INSTRUMENTO POLÍTICO Y CULTURAL EN ESPAÑA
Los Reales Sitios. Territorio, ciudad y obras públicas.
La arquitectura religiosa
Fueron los Reales Sitios en el siglo XVIII, como lo habían sido durante los Austrias, lugares ceremoniales y rituales de la Monarquía Hispánica, aunque acabaran siendo notablemente ampliados o transformados en muchos casos. En estos tiempos de la casa de Borbón, esos lugares cortesanos, estacionales y simbólicos, constituyeron también una especie de nuevo autorretrato cotidiano y político de la propia imagen del monarca, incluso de la forma de ser rey en España, de Aranjuez al Escorial, del Buen Retiro a La Granja de San Ildefonso, entre otros. En ellos, los arquitectos de la época no solo resolvieron las demandas de representación de los monarcas en términos arquitectónicos y ornamentales, sino que los usaron como un espejo cuya superficie reflejaba la imagen de numerosas novedades de la cultura arquitectónica europea, tanto francesa como italiana. Sirvieron como lugar de confirmación y de ensayo, pero también para codificar nuevos lenguajes y formas de proyectar, así como de dibujar, marcando de forma muy significativa los hábitos locales y ayudando a transformarlos y difundirlos sobre todo por medio de Academia de San Fernando de Madrid.
La arquitectura vinculada a la ordenación del territorio y a la construcción de las ciudades constituye el campo de pruebas más significativo de la práctica arquitectónica y de su utilidad y carácter representativo, en la que tuvieron un papel enormemente significativo los ingenieros y no solo los arquitectos. Los dibujos conservados de esos proyectos constituyen un patrimonio aún fundamental y extraordinariamente operativo, además de ilustrar de manera apasionante los cambios en los sistemas de representación y su directa proximidad ya fuera al arte del diseño o a la eficacia funcional del mismo. Los de arquitectura religiosa son importantes, aunque más numerosos y significativos los realizados en la primera mitad del siglo, tal vez correspondiendo a una especie de histórica y simbólica adecuación entre tradiciones arquitectónicas locales y de la propia Iglesia en España.

5. ARQUITECTURA Y ACADEMIA. EL TRIUNFO DEL CLASICISMO Y DE LA NORMA
Proyectos y modelos. La elocuencia de la norma.
La retórica del ornamento y de lo efímero
Los años finales del siglo XVIII, en toda Europa, contribuyeron a consolidar las múltiples acepciones del clasicismo, desde la más convencional que tenía su origen en la tradición moderna, de Vignola a Palladio y sus epígonos, así como en las interpretaciones, a esa tradición vinculadas, de la Antigüedad romana, especialmente en Desgodetz, a las más renovadoras que surgieron en relación a la arqueología y a la poética de las ruinas. De este modo, el dibujo de arquitectura fijó definitivamente la norma y las convenciones en los sistemas de representación, avanzando incluso nuevas propuestas que tenían que ver con los progresos técnicos e industriales y con el desarrollo de la geometría como ciencia, entre la precisión y la abstracción, pero también pendiente de nuevos lenguajes y de poéticas sentimentales y pintorescas. Es decir, se estableció una especie de normatividad, con distintas orientaciones, que se incorporó al dibujo como medio de expresión gráfica, unificando los sistemas de representación, oscilando entre la revolución técnica y nuevos lenguajes, tipologías y formas de composición, incluidas las académicas e institucionales.
Los dibujos conservados en la colección de la Biblioteca Nacional sirven para comprobar la complejidad y contradicciones de la época y la absoluta disponibilidad ideológica de las nuevas normas y reglas que, en su carácter de compartido código de representación y en su abstracción, podían secundar cualquier programa proyectual. Además, en esos años, los dibujos de arquitectura apuestan también por una distinta construcción del mundo, por nuevos métodos para restituir el pasado, con diferentes intenciones, además de presentarse como espacios del sueño y la imaginación".

BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA
Paseo de Recoletos 20
28001 Madrid
TELÉFONOS: 91 580 78 00 (Centralita)
91 580 78 23 / 05 (Información)
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Transportes
METRO: línea 4, estaciones de Colón y Serrano
AUTOBUSES: 1, 5, 9, 14, 19, 21, 27, 37, 45, 51, 53, 74, 150
RENFE: estación de Recoletos
Horario exposición:
17 de septiembre a 22 de noviembre de 2009
Martes a sábados de 10 a 21 h.
Domingos y festivos de 10 a 14 h.
Último pase 30 minutos antes del cierre
Entrada gratuita.

[Fuente: Tiempo de Historia]

El Guggenheim Museum celebra el 50º aniversario del diseño de su sede neoyorquina por Frank Lloyd Wright

El Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York conmemora el 50º aniversario de la creación, por el arquitecto Frank Lloyd Wright, de su edificio insignia, en la Quinta Avenida de la ciudad. En la muestra que celebra el acontecimiento, y que podrá contemplarse hasta el próximo 23 de agosto, se mostrarán 64 proyectos diseñados por uno de los arquitectos más influyentes del pasado siglo XX, y que comprenden desde residencias privadas hasta edificios gubernamentales pasando por construcciones con fines sociales y religiosos y grandes estructuras urbanas.

Así mismo, en las rampas en espiral que dan fama al Guggenheim neoyorquino se expondrán cerca de 200 dibujos y planos originales del propio Frank Lloyd Wright, muchos de ellos inéditos y donados por la Fundación que él mismo creó en Arizona, así como proyecciones y animaciones digitales que desvelarán al público la novedosa concepción del espacio que este artista imprimió a sus obras y que lo convirtió en uno de los maestros del diseño y la arquitectura contemporáneos. El título de la exhibición, "From within outward", alude a uno de los pilares del corpus teórico sobre el que Lloyd Wright asienta su trabajo, el que concede una importancia vital al espacio interior, en sí mismo y como configurador de la estructura exterior de los edificios, que el estadounidense, nacido en 1867, no concibe ya como bloques de construcción cuya vertiente artística reside únicamente en su fachada. Pocos diseños de Wright dejan patente, de forma tan clara, ese concepto de diseño "de dentro hacia fuera" como la sede en Nueva York del Guggenheim, cuyo interior da forma a la "cáscara" exterior del centro.

El propio director del Museo, Richard Armstrong, ha recordado la admiración que suscitó el Guggenheim entre crítica y público tras su inauguración en 1959, y el hecho de que su diseño, inevitablemente, revolucionaría la arquitectura de los museos de arte que se levantaron en adelante. Haciendo homenaje al lema artístico de Lloyd Wright, "de dentro hacia fuera", esta exposición conmemorativa documenta el modo en que la propia arquitectura influye en nuestras formas de vida y en la forma en que experimentamos el arte en general. La muestra también busca reflejar la extraordinaria influencia del americano y de la conjunción de cultura, tecnología e incorporación del medio ambiente en sus edificios, en la labor de los principales arquitectos del momento actual.

A lo largo de su carrera artística, que se prolongó durante 72 años, Lloyd Wright, quien falleció pocos meses antes de la inauguración de este museo, se mantuvo al margen de estilos y tendencias para desarrollar un nuevo ideario en torno a la arquitectura, ideario en el que forma y función están ligados de forma inseparable. Conocido por su inventiva y por la diversidad de su producción, sus obras transmiten serenidad y tratan de unir naturaleza, edificios y personas que los habitan dentro de una armonía tanto física como espiritual.

[Fuente: MasdeArte.com]

Exposición: Traslados y expulsiones. Piezas que salieron y moriscos que no regresaron

El próximo viernes 13 de febrero de 2009 tendrá lugar la inauguración de la exposición Traslados y expulsiones. Piezas que salieron y moriscos que no regresaron.

La exposición podrá visitarse hasta el 27 de marzo de 2009 en el Salón de Actos de la Escuela de Estudios Árabes (CSIC, Granada), y con ella se pone colofón a un amplio programa de actividades iniciado en noviembre de 2007 para conmemorar el 75 aniversario de este centro de investigación dedicado a la cultura árabe-islámica.

Dos fueron los presupuestos básicos que dieron pie al nacimiento de esta iniciativa y su posterior ejecución: De un lado, pareció oportuno aprovechar la efemérides para recuperar temporalmente las piezas arquitectónicas que, habiendo salido en su día de las Casas moriscas del Chapiz, andaban hoy dispersas por distintos museos españoles. De otro, nada mejor para aderezar la reunión de estos elementos que acompañarlos de paneles informativos en los que se diera cuenta del origen, evolución y devenir de los moriscos, los musulmanes hispanos de los siglos XVI-XVII que se vieron arrastrados a bautizarse por la fuerza y a seguir vida de cristianos ante los ojos de una colectividad, la española, muy mediatizada por el celoso ambiente religioso que se respiraba entonces.

Las piezas aquí reunidas estuvieron ubicadas durante mucho tiempo en las Casas moriscas del Chapiz, cumpliendo una función arquitectónica y decorativa. Conviene advertir que no es casual que el evento que aquí se presenta se desarrolle más allá de la frontera cronológica en la que cabría haber clausurado de manera oficial el ciclo conmemorativo al que nos venimos refiriendo. En tal sentido, si se ha optado por retrasarlo hasta comienzos de 2009 ha sido con objeto de hacerlo coincidir con otro aniversario que, desde un punto de vista histórico, resulta especialmente emblemático, como es recordar la expulsión definitiva de los moriscos, ocurrida hace exactamente cuatrocientos años. En efecto, fue en 1609 cuando, por orden real decretada por Felipe III, la minoría morisca, tan fuertemente ligada a su identidad y tan difícilmente asimilable por la comunidad religiosa oficial, fue expulsada definitivamente de España. Tal medida se sustentaba en la idea de que dicha población ponía en serio peligro la unidad de los reinos peninsulares cristianos.

Al valor sentimental que supone recuperar por primera vez las cuatro piezas y agruparlas en el lugar del que partieron, cabe añadir, por tanto, el carácter didáctico que inspira esta exposición. concebida para mostrar al visitante un sencillo retrato de la vida de los moriscos, de su historia y sus costumbres, así como de la tipología y funcionalidad de sus viviendas. Todo ello, en su conjunto, ha ido conformando a lo largo de los siglos un rico legado del que debemos consideramos afortunados herederos.

Horario: de lunes a viernes, de 11:00 h. a 14:00 h. y de 16:30 h. a 19:30 h.
Lugar: Salón de Actos de la Escuela de Estudios Árabes. Casa del Chapiz. Cuesta del Chapiz, 22. 18010 GRANADA (España).

Comisariado de la exposición: Mariana Kalaitzidou
Coordinación de la exposición: Juan Castilla Brazales, Natividad García Vázquez
Colaboran: Daniel Bote Corralo, Luis José García Pulido
Información: Telf.: (+34) 958 222 290, (+34) 630 173 732 E-mail: nati.garcia@eea.csic.es

[Fuente: Escuela de Estudios Árabes]

Sevilla Artística y Monumental. 1857-1880. Fotografías de J. Laurent

El martes 20 de mayo de 2008, a las 20:30 h., se inaugura en el Real Alcázar de Sevilla la exposición "Sevilla Artística y Monumental. 1857-1880. Fotografías de J. Laurent".

En el catálogo participan Julia Uceda (Premio Nacional de Poesía), Carlos Teixidor (especialista en Historia de la Fotografía) y tres profesores de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla: Francisco Javier Rodríguez Barberán, Rafael Manzano Martos y Antonio Gámiz Gordo. La aportación de estos dos últimos, pertenecientes al grupo de investigación Laboratorio de Arqueología y Arquitectura de la Ciudad (LAAC), se titula "La arquitectura y el paisaje de Sevilla en las fotografías de J. Laurent" (páginas 56 a la 91) e incluye numerosas imágenes inéditas. La exposición permanecerá abierta hasta el 19 de agosto.

Más información:

Fundación Mapfre
Página Web de la Fundación

Cartel de la exposición (PDF)

[Fuente: LAAC]

Abierta al público la exposición '75 Casas del Chapiz'

Con motivo de la celebración del 75 aniversario de la Fundación de la Escuela de Estudios Árabes (CSIC) se está realizando un amplio y variado programa de actividades culturales. Se presenta ahora la exposición “75 Casas del Chapiz”, dedicada al edificio que alberga la sede de la Escuela de Estudios Árabes, en el granadino barrio del Albaicín. El título de la exposición hace referencia al número de piezas que se exponen y al mismo tiempo, al aniversario que se conmemora. Los comisarios de la muestra son D. Antonio Orihuela Uzal, investigador del Laboratorio de Arqueología y Arquitectura de la Ciudad (LAAC), y D. José Tito Rojo, colaborador de dicho grupo de investigación.

La Casa o Casas del Chapiz, pues por los dos nombres se conocen, constituyen el conjunto residencial morisco más importante de los conservados en Granada. Tras múltiples usos y acontecimientos, llegaron al siglo XX en estado semirruinoso. Fueron declaradas Monumento Nacional en 1919 y adquiridas por el Estado en 1929, siendo salvadas gracias a la restauración dirigida por el ilustre arquitecto Leopoldo Torres Balbás, terminada en 1932.

Existe una abundante documentación gráfica producida desde el siglo XVI hasta la actualidad (1595-1995), tanto de imágenes específicas del edificio y su huerto, después convertido en jardín, como de vistas generales del Albaicín y del Sacromonte, en las cuales el conjunto aparece claramente definido. En los últimos doscientos años la Casa del Chapiz fue visitada por destacados dibujantes, pintores y fotógrafos que dejaron constancia gráfica de los múltiples cambios y vicisitudes ocurridos.

Entre los contenidos más destacados de la exposición se pueden citar:

• Grabados de Vico, Lewis y Guesdon.
• Dibujo de George Apperley
• Planos de Leopoldo Torres Balbás
• Croquis de A. Gallego Burín y E. García Gómez
• Libros y Guías de Giménez Serrano, R. Contreras, Almagro Cárdenas, Gómez-Moreno, Valladar, Calvert, Whittlesey, Byne, etc.
• Postales de F. Roman, A. Cánovas, Rellev, R. Garzón, L. Roisin, etc.
• Fotografías (siglo XIX) del Conde de Lipa, Masson, Mann, Laurent, Valentine, Wilson-Browne, etc.
• Fotografías (siglo XX) de Cerdá, Rioboó, Torres Molina, Prieto-Moreno y dos fotografías de García Lorca, del año 1932.

Datos técnicos
Lugar: Sala de Exposiciones temporales del Museo Casa de los Tiros (Consejería de Cultura, Junta de Andalucía), calle Pavaneras n º 19, Granada.
Fechas: 12 al 30 de marzo de 2008.
Horario: Lunes, cerrado. Martes, de 16:30 a20:30 horas. Miércoles a Sábado, de 11:00 a 14:00 y de 16:30 a 20:30 horas. Domingo, de 11:00 a 14:00 horas.
Comisarios: D. Antonio Orihuela Uzal (EEA, CSIC) y D. José Tito Rojo (Universidad de Granada).

Asesor Técnico:
D. Javier Piñar Samos

Colaboradores:
D. Antonio Gámiz Gordo, D. Eduardo Páez López y D. Carlos Sánchez Gómez

Tratamiento de imágenes:
D. Vicente del Amo

Institución organizadora:
Escuela de Estudios Árabes (CSIC) con el apoyo de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía (Dirección General de Museos)

Instituciones colaboradoras:

• Museo de la Casa de los Tiros (Junta de Andalucía)
• Patronato de la Alhambra y Generalife (Junta de Andalucía)
• Fundación Rodríguez-Acosta e Instituto Gómez-Moreno

Catálogo:
Se ha editado un catálogo de 132 páginas que contiene un artículo, una miscelánea de textos facsímiles de descripciones antiguas y la documentación gráfica incluida en la exposición.

[Fuente: LAAC]

Pompeya y Herculano. A la sombra del Vesubio

Del 25 de enero al 20 de abril está abierta al público en el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida una exposición titulada Pompeya y Herculano, a la sombra del Vesubio. Según los organizadores, "la exposición pretende ofrecer a sus visitantes una completa visión de la vida y la cultura en el Imperio Romano del siglo I d.c., a través de los vestigios de las ciudades de Pompeya y Herculano, sepultados por la ceniza y el barro en la erupción del Vesubio del año 79 y recuperados para la historia en las excavaciones iniciadas en el siglo XVIII".

Según informó el Ministerio de Cultura, la muestra "presenta una selección de obras de arte y de uso cotidiano que en su día formaron parte de las antiguas ciudades de Pompeya y Herculano, así como pinturas y grabados que con posterioridad realizaron artistas de la talla de Giacinto Gigante, admirados por la belleza y los logros de una civilización tan avanzada, y sobrecogidos -tal y como también les ocurrió a historiadores, pensadores y a poetas-, por el dramático final de sus gentes al entrar en erupción el Vesubio aquel año 79 y ser destruidas ambas ciudades.
"Terracotas, vidrios y bronces, mármoles y cerámicas, oro, plata y piedras preciosas; piezas de arqueología que convivieron día a día con aquellas gentes y que han sido seleccionadas por su valor histórico y estético, se completan con acuarelas y aguafuertes realizados siglos después, y que ayudan a realizar un recorrido visual por los lugares más emblemáticos, y que sitúan al visitante en los escenarios naturales. En cada uno de los ámbitos el visitante se va adentrando en el mundo romano, en sus creencias y leyendas, en los oficios de orfebres y ceramistas, a través de piezas que recogen la riqueza y el sentir de aquellos hombres y mujeres, en una visión que culmina con la reconstrucción de una habitación de Herculano".

[Fuente: Tiempo de Historia]

Líneas en oro. Caligrafía otomana del Museo Sakp Sabanc de Estambul

Del 11 diciembre de 2007 al 2 de marzo de 2008 se podrá visitar, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), la exposición Líneas en oro de caligrafía otomana, procedente del Museo Sakp Sabanc de Estambul (Turquía).

El Museo Sakp Sabanc de la Universidad Sabanc se abrió en el exclusivo distrito de Emirgan de Estambul, a orillas del Bósforo, en 2002. La Colección de Caligrafía Otomana del Museo presenta una gran variedad de ejemplos del arte de la caligrafía otomana a lo largo de 500 años, muchos de ellos textos religiosos, como copias manuscritas del Sagrado Qur'an, hilye (descripciones del Profeta), levha (paneles caligráficos), kt'a (versos individuales) y muraqqaa (álbumes), o documentos oficiales, como ferman (decretos imperiales), berat (títulos de privilegio) y mensur (títulos de categoría y oficio). Asimismo, el Museo dispone de una colección de cuadros con ejemplos distinguidos, que abarcan desde los principios de la pintura turca hasta el estilo occidental, de la última época del periodo otomano.

Antes de que esta colección, meticulosamente creada por Sakp Sabanc, pasara a formar parte de los fondos del Museo, muchas de estas obras se habían expuesto desde 1989 en Nueva York, Los Ángeles, Boston, París, Berlín y Francfort. Ahora, por primera vez desde la fundación del Museo, se muestra una selección exhaustiva de las obras de esta colección en Madrid. Se presentan 96 piezas, entre las que se incluyen obras de los maestros casi legendarios de este arte, como Seyh Hamdullah, considerado el fundador de la caligrafía otomana, el príncipe heredero Korkut, Ahmed Karahisari, Dervis Ali, Hafz Osman, Yedikuleli Seyyid Abdullah, Mustafa Rakm, Kadasker Mustafa Izzet, Sami Efendi y muchos otros que practicaban el arte de la caligrafía desde finales del siglo XV hasta principios del siglo XX.

Las copias del Sagrado Qur'an y los manuales de oración forman el grupo más numeroso dentro de esta exposición, seguido por el de los álbumes de caligrafía y libros de ejercicios. El tercer grupo está compuesto por levha, o paneles de caligrafía monumental, que se colgaban en las paredes de las casas en la capital de Estambul durante el siglo XIX, como consecuencia de la creciente influencia europea.

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
C/ Alcalá, 13
28014 Madrid
Teléfono: 91 524 08 64
http://rabasf.insde.es/

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[Fuente: Ministerio de Cultura]

Los etruscos en el Museo Arqueológico Nacional

Del 26 de septiembre a enero de 2008, el Museo Arqueológico Nacional ofrece un completo recorrido por la cultura de los etruscos, el pueblo más influyente en el desarrollo histórico de la Península Itálica.

Aunque por Etruria se entienda la zona de Italia comprendida entre los ríos Arno y Tíber –que, además de la Toscana, abarca parte de las actuales regiones de
Umbría y Lacio hasta Roma-, la expansión etrusca alcanzó también a la Campania y al Valle del Po. Los mismos pasos siguió el arte que se desarrolló bajo la civilización
etrusca hasta que su identidad se diluyó en la romana, cuando Roma otorgó la ciudadanía a todos los itálicos libres.

La muestra abarca casi mil años -desde los orígenes de la civilización etrusca, hacia el siglo IX a C., hasta la completa romanización de Etruria- y se configura en cinco apartados: los orígenes de la civilización etrusca, la sociedad de los príncipes, la sociedad urbana, helenismo y romanización, y un último espacio dedicado a los aspectos relativos a la religión.

Se exponen más de 350 piezas procedentes de museos estatales de la Toscana. Algunas de ellas, como Mater Matuta o el Frontón de Talamote, nunca habían salido de Italia hasta ahora; por ello, la exposición constituye una oportunidad única para conocer la cultura, la sociedad y la religión etruscas a través de este excepcional patrimonio arqueológico.

Más información (PDF).

[Fuente: Ministerio de Cultura]

Josep Renau: arte y propaganda en guerra

Del 20 de septiembre al 28 de octubre de 2007 está abierta en Salamanca la exposición Josep Renau: arte y propaganda en guerra, organizada por el Ministerio de Cultura y de la que es comisario Miguel Cabañas Bravo. La muestra está instalada en dos sedes: el Patio de Escuelas Menores de la Universidad de Salamanca y el Archivo General de la Guerra Civil. "A través de los documentos conservados en los Archivos Estatales (Archivo General de la Guerra Civil Española, Archivo General de la Administración y Archivo Histórico Nacional), se muestran las actuaciones que llevó cabo el artista, tanto en el terreno de la salvaguarda de nuestro patrimonio artístico-cultural, como en el de la propaganda y el activismo socio-cultural".
Realizada con motivo de la celebración del centenario del nacimiento de Josep Renau y los veinticinco años de su muerte, esta exposición "es una contribución al análisis y divulgación de uno de los aspectos menos conocidos y más significativos de su trayectoria, como fue el de su papel al frente de la Dirección General de Bellas Artes durante la Guerra Civil". La exposición reproduce a gran formato carteles y diseños de Renau conservados en los Archivos Estatales y da a conocer una gran cantidad de material gráfico y documentos originales desconocidos hasta ahora. Reúne más de 200 imágenes entre las que se pueden destacar temas como la evacuación del Tesoro Artístico (Museo del Prado, Catedral de Toledo, Palacio de Liria, Teruel, etc.) a Valencia y Barcelona; la exhibición que se hizo de gran parte de esas obras de arte en el Colegio del Patriarca (Valencia); la labor de propaganda realizada por Renau, con la organización de actos como la 'Semana del Niño' en Valencia, la tribuna de propaganda instalada en la plaza de Emilio Castelar de Valencia, las Fallas Antifascistas, etc.

Il Futuro del Futurismo

Bajo el título "Il Futuro del Futurismo" se presentan en la GAMeC. Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea de Bergamo más de 200 piezas, de unos 120 creadores, que demuestran la influencia que ha dejado el futurismo en el arte del siglo XX y XXI, gracias a preceptos fundamentales como el valor estético de la innovación tecnológica, la idea del movimiento y la falta de racionalidad. Nombres de primera línea, de ayer y hoy, acercan al público este apreciado movimiento de las primeras vanguardias a través de todos los formatos.

Quizá la característica que mejor define el espíritu general de las vanguardias sea la búsqueda por encontrar nuevas propuestas que rompan con los lenguajes artísticos hasta entonces establecidos, ofreciendo salidas innovadoras en torno al discurso plástico a nivel conceptual y sobre todo, formal. En este sentido, el futurismo constituye una de las apuestas más sólidas de las primeras décadas del siglo XX, relativa a ese deseo por alcanzar una nueva vía de expresión. De la mano del poeta italiano Marinetti, quien en 1909 publica en el periódico francés Le Figaro lo que será el Manifest del Futurisme, se establecen un conjunto de premisas que quieren dejar de lado los valores clásicos en beneficio de la exaltación de la irracionalidad y la originalidad; teniendo esto su traducción visual en expresiones que hablan sobre la instantaneidad de los momentos, la velocidad y la energía, entre otras cuestiones. La tecnología, que hasta entonces no tuvo relevancia en el mundo del arte, aparece como elemento para reafirmar las ideas indicadas generándose un movimiento de claros y definidos intereses que se distancia, en todos los sentidos, de las expresiones plásticas que se venían imponiendo hasta la fecha.

Gracias a la importancia del futurismo dentro de la historia del arte del siglo XX, y en virtud de su origen italiano, la GAMeC. Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea de Bergamo presenta hasta febrero del próximo año una amplísima exposición sobre este movimiento, con la que se quiere demostrar no sólo su surgimiento y desarrollo, sino además, el eco que ha dejado a lo largo del tiempo hasta hoy -más allá de las fronteras locales- en tendencias y movimientos diferentes como es el caso del: constructivismo, cubo-futurismo, rayonismo, vorticismo, arte cinético, además de varias manifestaciones recientes. Serán Umberto Boccioni, Carlo Carrá, Fortunato Depero, Luigi Russolo y Gino Severi las figuras más relevantes del futurismo, que desde su surgimiento abogan por la idea del dinamismo y la violencia expresiva como los mejores caminos para romper con el anclado pasado decimonónico. Para esto, son útiles los planteamientos del cubismo y del divisionismo, los cuales a pesar de sus diferencias, implican un giro hacia una nueva visión de la realidad, marcada ahora por la posibilidad de apreciarla desde una perspectiva muy diferente.

En "Il Futuro del Futurismo. Dalla rivoluzione italiana all'arte contemporanea. Da Boccioni a Fontana a Damien Hirst" se rastrean por tanto, las huellas de este movimiento no sólo en el arte moderno sino también en el contemporáneo. En el marco de las celebraciones que se llevarán a cabo el próximo año con motivo del centenario del nacimiento del futurismo como movimiento, la GAMeC presenta esta exposición donde 120 artistas de todas las disciplinas muestran cómo los fundamentos teóricos de esta estética, marcada por el concepto de rapidez y el sentido de lo tecnológico, posee plena vigencia en la actualidad. Piezas de creadores de la talla de: John Armleder, John Cage, Tullo Crali, Maurizio Cattelan, Sandro Chia, Damien Hirst, Marcel Duchamp, Lucio Fontana, Gilbert & George, Barbara Kruger, Fernand Léger, Julio Le Parc, Michelangelo Pistoletto, Bruce Nauman, Nam June Paik, Ljubov Sergeevna Popova, Robert Rauschenberg, Alexandre Rodtchenko, Thomas Ruff, Luigi Russolo, Jesús Rafael Soto, Wolf Vostell, entre otros, están presentes en esta exposición.
[Fuente: MásdeArte.com]

Escultura en los templos indios

"La escultura en los templos indios. El arte de la devoción" es quizá la exposición más relevante hasta la fecha, realizada con fondos europeos, sobre este género plástico en el país asiático. CaixaForum Barcelona junto con el Victoria & Albert Museum de Londres, en colaboración con el British Museum, presentan en el espacio catalán una selección de obras donde se aprecia el universo visual y temático de estas esculturas figurativas, a través de 185 piezas que dan cuenta de la diversidad iconográfica de la religión hindú.

Esta exposición recorre desde el siglo II a. C. hasta el siglo XVII lo que ha sido el desarrollo de un género determinado directamente por la importancia del mundo religioso. Éste, repleto de creencias y devociones, demandaba la creación de imágenes y esculturas para la adoración, que poseían un nutrido banco referencial de dioses, semidioses, ascetas y santos, y que vieron en los espacios arquitectónicos los mejores lugares para que el pueblo pudiera contemplar estas piezas.

Desde el gran Dios supremo Shiva todos los demás, con sus distintos atributos y en diversas personificaciones, eran representados a través de manifestaciones de carácter bueno o malo en los templos, los cuales estaban concebidos como el lugar religioso de mayor importancia en el hinduismo. Es importante recordar que en la India además de esta religión, que es la principal, también impera el budismo y en menor medida el jainismo, además de otro conjunto de religiones menores, por lo que a la variedad iconográfica que propiamente poseen estas tres y al hecho de que comparten muchas imágenes, se suma la existencia de otras iconografías. El arte budista que llena los templos, por ejemplo, se nutría de múltiples referencias en las que la espiritualidad, la filosofía y el interés por la belleza se convierten en aspectos constantes; que tienen su traducción en piezas de piedra, madera, metal o arcilla, y que hacen precisamente de esa mezcla entre el hinduismo, el budismo y el jainismo el aspecto más común.

En virtud de la amplísima imaginería de la escultura figurativa hindú esta exposición ha sido concebida a través de una introducción y seis apartados, que cubren los aspectos más importantes a saber y comprender en un acercamiento hacia este arte incorporado en lugares arquitectónicos. Bajo los títulos: Conocer a los dioses, El arte de contemplar al dios, El templo como universo y morada de los dioses, Las reliquias y las peregrinaciones, La presencia y las imágenes de Buda, Los conquistadores pacíficos: los jina y el jainismo y Las procesiones: la adoración fuera del ámbito del templo, John Guy, el comisario de la muestra, logra adentrar al público en una experiencia única sobre esta rica cultura oriental fascinada por la religiosidad y la delicadeza.

La exposición estará abierta en Barcelona, en CaixaForum (Fundación La Caixa), Avda. Marqués de Comillas, 6-8, hasta el 18 de noviembre de 2007.
[Fuente: MasdeArte.com]

Andalucía destina más de 25 millones de euros a su patrimonio barroco

El presidente de la Junta de Andalucía, Manuel Chaves, ha presentado el Proyecto Andalucía Barroca 2007. Se trata de un programa, gestionado por la Consejería de Cultura, cuyo objetivo es la recuperación, el estudio, y la difusión de un patrimonio cultural que se produce y recibe en Andalucía durante los siglos XVII y XVIII, y que abarca todas las manifestaciones culturales decisivas en la conformación de las señas de identidad del pueblo andaluz.

El Proyecto Andalucía Barroca 2007, con un presupuesto de más de 25 millones de euros y que se extiende a todas las provincias andaluzas, incluye actuaciones de conservación y restauración; medidas para la recuperación de la organería barroca; la organización de exposiciones; la celebración de un Congreso Internacional; la edición de publicaciones que recojan todo lo que acontezca; el desarrollo de actividades culturales; y el diseño de itinerarios temáticos.

En cuanto a las actuaciones de conservación y restauración que se van a efectuar, se ha elegido un elemento por cada provincia, atendiendo a los de mayor importancia patrimonial y peor estado de conservación.

Concretamente se restaurarán los retablos mayores de Nuestra Señora de la Oliva de Lebrija en Sevilla; y los de la Iglesia de los Santos Justo y Pastor en Granada; el de la Iglesia de las Angustias de Ayamonte en Huelva; el de la Iglesia del convento de los Remedios de Antequera en Málaga; el de la Iglesia de San Lorenzo en Cádiz; el de la Iglesia parroquial de la Asunción de Huércal Overa en Almería; así como los retablos laterales de la parroquia de San Ildefonso de Jaén y el de la Capilla del Sagrario de la Iglesia de San Mateo de Lucena en Córdoba.

Los inmuebles en los que se realizarán intervenciones y restauraciones integrales son el Convento de San Agustín de Huécija en Almería; la Iglesia de Santa Cruz (Catedral Vieja) en Cádiz; la Iglesia de San Agustín en Córdoba; la Capilla de la Virgen del Rosario de la iglesia de Santo Domingo en Granada; la fachada y el entorno urbano de la iglesia parroquial de Valverde del Camino en Huelva; la Ermita del Santo Cristo del Llano, en Baños de la Encina (Jaén); la Iglesia del Carmen en Antequera (Málaga); y la Iglesia de los Descalzos de Écija en Sevilla.

Andalucía conserva un rico patrimonio musical correspondiente a grandes instrumentos del Barroco, como son los órganos. Por ello el programa de recuperación de la organería barroca ha seleccionado uno por cada provincia, teniendo en cuenta tanto su calidad musical como sus necesidades de intervención, conservación y puesta en uso. Tras esta intervención, estos instrumentos recuperarán sus condiciones originales y óptimas de uso, y ofrecerán diversos conciertos musicales entre los meses de septiembre y diciembre.

Los órganos seleccionados son el de la Iglesia de San Lorenzo de Cádiz; el de la Iglesia de los Descalzos de Écija en Sevilla; el de la Iglesia de San Hipólito de Córdoba; el de la Iglesia de Santa Mª del Alcázar y San Andrés de Baeza, en Jaén; el de la Iglesia de Santiago de Castaño del Robledo, en Huelva; el de la Iglesia de la Real Colegiata de San Sebastián de Antequera, en Málaga; y el de la iglesia de los Santos Justo y Pastor de Granada, así como el de la iglesia parroquial de Vélez Rubio, en Almería.

Las siete exposiciones previstas mostrarán los más importantes elementos del patrimonio conservado y difundirán las manifestaciones artísticas, científicas, musicales, históricas de estos siglos a través de piezas singulares contextualizadas en un discurso científico y didáctico. Cada una de ellas estará dedicada a un tema muy relacionado con la ciudad que las alberga, a excepción de las exposiciones de Sevilla y Granada, que en este caso mostrarán cada una el patrimonio de la otra.

Concretamente el calendario de exposiciones previsto comienza con 'Teatro de Grandezas' en el Hospital Real de Granada, del 14 de septiembre al 30 de diciembre; 'Antigüedad y Excelencia' en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, del 26 de septiembre al 30 de diciembre; 'El Fulgor de la Plata' en la Iglesia de San Agustín de Córdoba, del 25 de septiembre al 30 de diciembre; 'La imagen reflejada, Andalucía espejo de Europa' en la Iglesia de Santa Cruz (Catedral Vieja) de Cádiz, del 27 de septiembre al 30 de diciembre.

Asimismo, la Sala de Exposiciones del Palacio Episcopal de Málaga acogerá 'Fiesta y Simulacro', del 20 de septiembre al 30 de diciembre; los Reales Alcázares de Sevilla albergará 'Luisa Roldán, La Roldana', del 25 de julio al 14 de octubre. Además, la exposición itinerante 'Andalucía Barroca' se inaugurará en Antequera el 17 de septiembre, y continuará por las localidades de Almería, Guadix, Jaén, Priego, Écija, Huelva y Jerez de la Frontera durante el año 2008.

La finalidad del programa de publicaciones es dar testimonio material de las diferentes exposiciones y de los avances científicos e historiográficos que se han logrado a través del Proyecto Andalucía Barroca 2007. Por ello se van a editar los catálogos de las exposiciones, las memorias científicas de los proyectos de intervención y conservación, y las actas de las jornadas técnicas y el congreso internacional.

Del 17 al 21 de septiembre, la ciudad de Antequera albergará el Congreso Internacional Andalucía Barroca 2007, cuyo objetivo es la revalorización del papel histórico de Andalucía, la puesta al día de sus estudios, el conocimiento de la contribución de sus creadores al panorama nacional y la difusión del patrimonio histórico que la sociedad barroca aportó a la cultura española y a la universal.

Este evento reunirá a una amplia representación de especialistas que reflexionarán, analizarán y debatirán con carácter multidisciplinar sobre el arte, la sociedad, la expresión inmaterial y el pensamiento en la cultura barroca andaluza. Estas jornadas se completarán con un programa de conciertos y visitas a las ciudades de Antequera, Écija y Priego de Córdoba, que se suman a la oferta cultural de las exposiciones monográficas de Andalucía Barroca.

El Proyecto Andalucía Barroca se complementará con actividades culturales de diversa índole, como visitas guiadas, conferencias, jornadas o conciertos musicales, que se desarrollarán fundamentalmente entre los meses de septiembre y diciembre de 2007.

Los itinerarios temáticos propuestos en el programa son 'Palacios y casas señoriales; Torres y espadañas'; 'Yeserías y camarines'; 'Retablos'; 'Organería';' Andalucía conventual' y 'Urbanismo lúdico y Espacios de sociabilidad'. A través de la creación de estos recorridos se facilitará al visitante la localización de este patrimonio, se informará sobre sus condiciones de accesibilidad y se proporcionarán los datos necesarios para comprender sus diferentes valores históricos, artísticos, simbólicos o representativos.
[Fuente: Junta de Andalucía]

Avance de una contingencia. Arquitectura contemporánea en Galicia

La arquitectura realizada en Galicia en los últimos tiempos delata un fenómeno imparable de desarrollo de nuevos lenguajes y propuestas arquitectónicas, que muestra tanto un esfuerzo de modernización como el interés por plantear soluciones constructivas avanzadas y originales, ligadas en muchos casos a grandes nombres internacionales. El Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC) presenta ahora una visión reflexiva de esa realidad en la muestra Avance de una contingencia. Arquitectura contemporánea en Galicia, del 6 de julio al 2 de septiembre de 2007.
En un momento presente en el que términos como deslocalización, aculturación o globalización imperan en el lenguaje de la crítica del arte y la arquitectura, Galicia se ha revelado como uno de los territorios europeos más destacados en el desarrollo de nuevas propuestas y lenguajes arquitectónicos; su situación geográfica de periferia o no centralidad no parece haber sido un obstáculo para la conformación de este fenómeno ligado tanto a los continuos flujos e interacciones como a la impronta del medio. Desde los años ochenta y aun con anterioridad fueron varios los conjuntos edilicios que delataban las preocupaciones y esfuerzos modernizadores por parte de determinados arquitectos, instituciones y promotores privados a la hora de plantear soluciones constructivas tan avanzadas como originales. En este proceso los aportes de figuras de renombre internacional y nacional han resultado determinantes a la hora de plantear divergencias conceptuales y formales, complementando de este modo el inquieto panorama autóctono que se venía fraguando desde una heterogénea excepcionalidad creativa. Bajo el sugerente y a la vez clarificador título de Avance de una contingencia, la muestra que acoge la planta baja del CGAC, la sala Zona C de Bonaval y las salas expositivas del COAG, es consecuencia de un proceso paralelo de búsqueda, revisión y análisis de las principales intervenciones arquitectónicas planteadas en Galicia desde c. 1980 hasta la actualidad, como ejemplos conscientes y generadores de un contexto de arquitectura contemporánea en Galicia.
La selección propuesta pretende ofrecer una visión exhaustiva de un fenómeno que se demuestra excepcional en nuestro panorama creativo. Los criterios estéticos y funcionales a la hora de valorar y presentar cada intervención arquitectónica, se han sumado a las variables en cuanto al uso, a la promoción o a los intereses socioeconómicos, políticos y culturales, agentes que se demuestran fundamentales para todo estudio al respecto. Además, factores tan claves como la identidad y el diálogo con el pasado, la recreación del territorio, la consideración de hito arquitectónico o de contribución al tejido urbano, el vínculo del edificio con el entorno, la clave de la autoría o las sensaciones y subjetividades que originan los espacios construidos, se han convertido en vectores determinantes a la hora de configurar el conjunto expositivo referenciado. Un agudo y visual montaje facilita la expresión última de los referentes analíticos mencionados, si bien es el espectador quien está llamado a completar en última instancia el abordaje reflexivo a partir de las inquietudes personales que determinan sus intereses respecto a esta contingencia en avance.
[Fuente: CGAC y Masdearte]

Inaugurado PHotoEspaña 2007, que celebra su 10º aniversario

Un año más y con mucha ilusión en su décimo cumpleaños, PHotoEspaña inaugura una nueva edición del Festival. Con el pistoletazo de salida se inauguran un buen número de exposiciones programadas para este año y se da comienzo a esta gran fiesta de la fotografía. El acto de presentación oficial ha tenido lugar el miércoles 30 de mayo de 2007, en el Real Jardín Botánico de Madrid.
Además, desde el pasado 28 de mayo se han inaugurado una serie de muestras como antesala de esta presentación oficial. Como la exposición África, que presenta los trabajos fotográficos del maestro de la fotografía sociodocumental Sebastião Salgado en BBVA. Sala de Exposiciones de Azca.
Desde el 29 de mayo también puede visitarse la exposición Los mejores libros de fotografía del año, en la Biblioteca Nacional, sede a la que entra PHotoEspaña por primera vez. La muestra reúne los libros que este año optan al Premio al mejor libro de fotografía del año, así como los libros galardonados en las pasadas ediciones.
También ha sido inaugurada la exposición Neorrealismo. La nueva imagen en Italia 1932-1960, en el Centro Cultural de la Villa / Fundación Santander Central Hispano. Repasa el bagaje artístico de esta corriente italiana de la primera mitad del siglo XX a través de fotografías, publicaciones y cine poniendo en contacto al visitante con la obra de más de 75 fotógrafos.
La exposición de Bruce Davidson Central Park, en la Fundación Astroc, donde el fotógrafo americano retrata la vida en el mítico Central Park y la presenta en diversos formatos fotográficos.
Y, completando este programa de inauguraciones de la sección oficial, se han inaugurado, entre otras, las siguientes exposiciones del Festival OFF: Emplazamientos / Desplazamientos, de la fotógrafa Bettina Geisselmann en la Galería Carmen de la Guerra. Alberto García-Alix, en la Galería Juana de Aizpuru y Rosângela Rennó, en La Fábrica Galería.
Como último apunte y también incluida en el Festival OFF mañana se inaugura la exposición Se renta de la artista mexicana Marianna Dellekamp en el Instituto de México.
Pinchando aquí se puede ampliar la información sobre estas exposiciones.
[Fuente: PHotoEspaña]

Hergé cumple 100 años

Tintín, el reportero de cómic que retrató el siglo XX a través de sus viajes en compañía del fiel perro Milú, vuelve a recorrer el mundo en la celebración del centenario de su creador, el ilustrador belga Hergé. Más de 250 millones de copias de las aventuras escritas por Georges Rémi 'Hergé' se han vendido en todo el mundo, traducidas a más de cincuenta idiomas.



Desde Bélgica a Québec, pasando por París y Barcelona, medio mundo celebra el aniversario del creador de Tintín, un personaje que vuelve a la cresta de la ola tras el reciente anuncio de que los cineastas Steven Spielberg y Peter Jackson ('El señor de los anillos') preparan una trilogía sobre el personaje para la gran pantalla.

Tintín tiene su antecedente en Totor, personaje que Hergé dibujó para la gaceta semanal de su grupo de boy-scouts, publicación en la que vería la luz por primera vez el chico del flequillo de oro.

Tintín en el país de los Soviets, la primera aventura del reportero y su fiel perro Milú, se publicó en 1929 en Le Vingtième Siècle, cabecera que fue clausurada durante la Segunda Guerra Mundial.

Hergé publicó sus viñetas durante la ocupación alemana en el periódico Le Soir, entonces afín a las nuevas autoridades, una decisión que le costó durante toda su vida la acusación de haber sido un colaboracionista del régimen nazi.

El dibujante completó un total de 23 álbumes sobre Tintín (el último, Tintín y el Arte-Alfa, es una obra inacabada), para los que se hizo ayudar de colaboradores que también acabaron siendo famosos en el mundo del cómic, como Edgar Pierre Jacobs (autor a su vez de Las aventuras de Blake y Mortimer), Baudouin van den Branden, Bob de Moor, Alice Devos y Jacques Martin.

La obra de Hergé ha recibido elogios de algunas de las figuras más relevantes del siglo XX. Así, el ex presidente francés Charles de Gaulle dijo en una ocasión: "en el fondo, mi único rival internacional es Tintín. Somos los pequeños que no nos dejamos avasallar por los grandes", tal y como recuerda la Fundación Hergé en su pagina web.

Por su parte, el artista contemporáneo Andy Warhol reconoció: "Hergé ha influido en mi obra tanto como Disney. Para mí, Hergé fue más que un dibujante de cómics. Tenía una dimensión política y satírica".

La trilogía de Spielberg se sumará a la larga lista de adaptaciones (tanto teatrales como cinematográficas) sobre el joven reportero, incluida una serie de películas de animación supervisadas por el mismo Hergé y dos largometrajes con personajes reales Tintín y el misterio del Toisón de oro y Tintín y las naranjas azules.

Pese a que Tintín es la joya de la obra de Hergé, el ilustrador también publicó hasta doce álbumes de las aventuras de Quick & Flupke, dos jóvenes golfos que causan el caos en las calles de Bruselas.

Los eventos de la conmemoración del centenario, bajo el título de 'Hergé 007', se celebran en todo el mundo e incluyen la exposición 'En Perú con Tintín', inaugurada en el museo de las civilizaciones de Québec y la exposición en Estocolmo 'Tintín, Haddock y los barcos', muestra que también pudo verse en París, ciudad que dedicó una muestra al artista en su centro Pompidou.

Bruselas, ciudad natal del artista, expone estos días dos retrospectivas sobre el autor y otros homenajes como la emisión de una serie de sellos conmemorativos y la colocación de la primera piedra del Museo Hergé, que abrirá sus puertas en Lovaina en 2009.

Barcelona rindió su particular homenaje el pasado mes de abril durante el Salón Internacional del Cómic, donde se celebró un ciclo de conferencias y charlas sobre el reportero más célebre del mundo del cómic, eso sí, con permiso de Clark Kent y Peter Parker, alias Superman y Spiderman, respectivamente.
[Fuente: Periodista Digital]

El Neoimpresionismo, la eclosión de la modernidad

Del 18 de abril al 10 de junio de 2007, en la Sala de Exposiciones del Instituto de Cultura de la Fundación MAPFRE (Madrid) se muestran 75 óleos neoimpresionistas en la que es la primera gran revisión de este movimiento pictórico en España, la exposición titulada El Neoimpresionismo, la eclosión de la modernidad. Los comisarios de la exposición son Serge Lemoine, Presidente del Musée d'Orsay de París, y Josep Casamertina i Parassols.
En 1886 Félix Fénéon, crítico de arte francés, acuñó en París el término neoimpresionismo para designar el estilo pictórico creado algunos años antes por George Seurat (París, 1859 - París, 1891). En realidad, lo que este artista había introducido, como reacción al impresionismo, el cual consideraba demasiado intuitivo y falto de racionalidad, es lo que de manera más precisa se llamó también puntillismo (pintura en puntos de color que se aplicaban sobre la tela de forma sucesiva) o divisionismo (pintura en áreas separadas de color), estilo en el que profundizó más su seguidor Paul Signac.
Esta exposición que la Fundación MAPFRE ha organizado en estrecha colaboración con el Musée d’Orsay de París quiere incidir en la trascendencia de este movimiento, incluso más allá de las fronteras francesas. Con este fin, ha logrado reunir más de 75 óleos de los principales representantes del movimiento, tanto de la vertiente francesa, como belga, donde los integrantes del Grupo de los XX adoptaron la técnica, e incluso española, a través de la figura de Darío de Regoyos. Además, se contempla la influencia del neoimpresionismo en otros movimientos contemporáneos, de los que serán buen ejemplo las obras de artistas como Camille Pissarro, Henri-Edmond Cross, Maximilien Luce, Henry Van de Velde, Theo Van Rysselberghe, Jan Toorop, Maurice Denis, Erich Heckel, Kart Schmidt-Rottluff, Edouard Vuillard, Alexej von Jawlensky, Jean Metzinger, Wassily Kandinsky, Gino Severini, Luigi Ryssolo, Paul Klee o Bridget Riley, entre otros.
El recorrido por la muestra se ha planteado siguiendo criterios estéticos y de técnica, sin tener en cuenta las nacionalidades de los artistas, de manera que se inicia con un grupo de obras marcadas por el espacio plano, que rompe con la perspectiva renacentista, dentro del que se ubican seis obras de Seurat. Por su parte, los otros apartados en los que se han organizado las piezas, analizan ideas como el ritmo, la geometría, la luz o el color.
En España es la primera vez que una exposición se vuelca de manera tan exhaustiva en analizar este movimiento, lo cual es ya algo suficientemente destacable, pero es que además, la muestra tiene como uno de sus principales atractivos la novedad de poder contemplar juntas seis pinturas de Seurat. El creador francés, obsesionado por la preocupación de controlar de manera científica las propiedades físicas del color y del espacio, llegó a completar el proceso de disolver gradualmente los planos de color en partículas cada vez más pequeñas, siempre a través del análisis de la luz. A diferencia de los impresionistas, de los que se consideraban continuadores a pesar de propugnar un arte mucho más intelectual, los neoimpresionistas necesitaban un método exacto para todo lo que hacían y negaban el valor de la intuición y de la experiencia visual defendida por sus predecesores. El empleo de colores puros trasladados directamente al lienzo, donde seguían permaneciendo en estado puro y la mezcla óptica en el ojo del observador, que es capaz de obtener un número infinito de matices a cierta distancia de la obra, era la base de su técnica y había sido aprendida por Seurat y el resto de sus compañeros admirando la obra del maestro Delacroix, uno de sus grandes referentes junto a las teorías del color de estudiosos como Michel Eugène Chevreul. Tras la muerte de Seurat fueron muchos los que siguieron trabajando a partir de sus supuestos, que sin embargo nunca llegarían a formar una teoría coherente, en parte debido a la racionalidad científica que pretendían y que difícilmente puede convivir con las razones emocionales que suelen dictar al arte. No obstante, los posos de su paso por la historia de la pintura sirvieron de influencia para algunos importantes artistas que lograron aunar razón y sentimiento en sus trabajos.
[Fuente: MásdeArte.com]