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15 marzo 2017
Conferencia 'La gran ola de Kanagawa y su influencia en la cultura visual', por Andrea García Casal, en Cometcon'17 (Oviedo)
En el marco de la Cometcon'17 (Convención Juvenil de Cultura y Ocio Alternativo de Asturias), la historiadora del arte Andrea García Casal impartirá la conferencia La gran ola de Kanagawa y su influencia en la cultura visual. Será el próximo 26 de marzo de 2017, a las 12:00 h, en el Palacio de Exposiciones y Congresos de Oviedo.
24 enero 2017
Presentación del libro 'Del Manierismo al Barroco en Sevilla. Principios y Materiales en El Arte de la Pintura de Francisco Pacheco', de Benjamín Castillo
El jueves 2 de febrero de 2017 tendrá lugar en Sevilla la presentación del libro Del Manierismo al Barroco en Sevilla. Principios y Materiales en El Arte de la Pintura de Francisco Pacheco, cuyo autor es el Dr. Benjamín Castillo Barragán.
El acto tendrá lugar en la Sala de Juntas de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla (c/ Laraña, 3) a las 19:00 h, y en el mismo intervendrán el Dr. Juan Francisco Cárceles Pascual (Catedrático de la Universidad de Sevilla) y el Dr. Manuel Jesús Roldán Salgueiro, historiador y prologuista de la obra, editada por Aconcagua Libros.
[Fuente: Benjamín Castillo Barragán]
21 noviembre 2015
Orientalismos. Jornada de estudio en la Universidad de Oviedo
El Seminario de Estudios Árabo-Románicos de la Universidad de Oviedo ha organizado una Jornada de Estudio sobre Orientalismos que se celebrará el próximo jueves 26 de noviembre de 2015, en la Sala de Grados de la Facultad de Filosofía y Letras de la capital asturiana. Se tratarán tanto los orientalismos artísticos en España durante los siglos XIX y XX (en la pintura y en la música, con el movimiento del alhambrismo) como el japonismo y la artesanía en Túnez durante el colonialismo, por diversos especialistas en las materias.
El programa se puede consultar y descargar en las siguientes imágenes:
[Fuente: Seminario de Estudios Árabo-Románicos de la Universidad de Oviedo]
El programa se puede consultar y descargar en las siguientes imágenes:
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25 septiembre 2015
Publicadas las guías de seis Museos Estatales españoles en formato digital
La Subdirección General de Museos Estatales de España ha puesto a disposición del público un conjunto de guías en formato digital de los siguientes museos:
- Museo Cerralbo. Español, inglés y japonés
- Museo del Greco. Español, inglés y francés
- Museo Nacional de Escultura. Español
- Museo Sefardí. Español
- Museo Nacional de Arte Romano. Español
- Museo Nacional del Romanticismo. Español
Desde el siguiente enlace se puede acceder a las publicaciones en formato digital: http://www.mecd.gob.es/ cultura-mecd/areas-cultura/ museos/destacados/2015/guias- museos.html
Para más información:
Subdirección General de Museos Estatales
Secretaría de Estado de Cultura
Ministerio de Educación, Cultura y Deporte
Plaza del Rey, 1- 4ª Planta.
28004 - Madrid
Tel. 91 701 70 00
comunicacion.museos@mecd.es
08 septiembre 2014
Proyecto "EwaGlos": glosario ilustrado de terminología sobre restauración de pintura mural
El proyecto Ewaglos se propone desarrollar un glosario ilustrado, con textos breves y ejemplos demostrativos, diseñados para ayudar a los lectores a entender y comprender rápidamente cada término, incluso a través de las barreras del idioma.
Punto de partida
La movilidad de los especialistas en conservación en Europa y las ofertas de contratos de trabajo en el ámbito europeo están aumentando a la misma velocidad que el interés del público por el patrimonio cultural y por su conservación, sirvan de ejemplo las Jornadas Europeas del Patrimonio. Pero la comunicación es todavía difícil porque la terminología de conservación aún no ha sido estandarizada en Europa y la divulgación a la población no es suficiente.
Objetivos
Como resultado, este consorcio de siete instituciones de siete países europeos distintos, con diversos idiomas y patrimonio cultural -con el apoyo de socios asociados y expertos externos con otros cuatro idiomas europeos- se propone desarrollar un glosario abundantemente ilustrado, incluyendo fotos y dibujos informativos: con textos breves y ejemplos demostrativos, diseñados para ayudar a los lectores a entender y comprender rápidamente cada término, incluso a través de las barreras del idioma. Al final, el glosario estará disponible para el público en general como una publicación impresa de bajo coste, sin fines de lucro y como descarga gratuita en Internet.
Motivo de la especificación
El proyecto se especializa en pinturas murales y superficies arquitectónicas porque esta terminología es de gran importancia para la mayor parte de nuestro patrimonio, es decir para edificios históricos, sus superficies y decoraciones: un sector completamente diferente en comparación con los museos y colecciones.
Duración: de octubre 2013 a septiembre 2015
Más información: http://elearn.hawk-hhg.de/projekte/ewaglos/
Jornada científica
La Universidad Politécnica de Valencia organiza una Jornada Científica sobre el proyecto EwaGlos, que tendrá lugar el viernes 26 de septiembre de 2014, en el Auditori Alfons Roig de la Facultad de Bellas Artes: http://www.upv.es/entidades/DCRBC/menu_urlpc.html?http://www.upv.es/entidades/DCRBC/infoweb/dcrbc/info/U0665501.pdf
[Fuente: Universidad Politécnica de Valencia]
Punto de partida
La movilidad de los especialistas en conservación en Europa y las ofertas de contratos de trabajo en el ámbito europeo están aumentando a la misma velocidad que el interés del público por el patrimonio cultural y por su conservación, sirvan de ejemplo las Jornadas Europeas del Patrimonio. Pero la comunicación es todavía difícil porque la terminología de conservación aún no ha sido estandarizada en Europa y la divulgación a la población no es suficiente.
Objetivos
Como resultado, este consorcio de siete instituciones de siete países europeos distintos, con diversos idiomas y patrimonio cultural -con el apoyo de socios asociados y expertos externos con otros cuatro idiomas europeos- se propone desarrollar un glosario abundantemente ilustrado, incluyendo fotos y dibujos informativos: con textos breves y ejemplos demostrativos, diseñados para ayudar a los lectores a entender y comprender rápidamente cada término, incluso a través de las barreras del idioma. Al final, el glosario estará disponible para el público en general como una publicación impresa de bajo coste, sin fines de lucro y como descarga gratuita en Internet.
Motivo de la especificación
El proyecto se especializa en pinturas murales y superficies arquitectónicas porque esta terminología es de gran importancia para la mayor parte de nuestro patrimonio, es decir para edificios históricos, sus superficies y decoraciones: un sector completamente diferente en comparación con los museos y colecciones.
Duración: de octubre 2013 a septiembre 2015
Más información: http://elearn.hawk-hhg.de/projekte/ewaglos/
Jornada científica
La Universidad Politécnica de Valencia organiza una Jornada Científica sobre el proyecto EwaGlos, que tendrá lugar el viernes 26 de septiembre de 2014, en el Auditori Alfons Roig de la Facultad de Bellas Artes: http://www.upv.es/entidades/DCRBC/menu_urlpc.html?http://www.upv.es/entidades/DCRBC/infoweb/dcrbc/info/U0665501.pdf
[Fuente: Universidad Politécnica de Valencia]
29 marzo 2014
Restauración de la imagen de Ntra. Sra. de los Desamparados de Valencia y su camarín
El Instituto Valenciano de Conservación y Restauración de Bienes Culturales (IVC+R de CulturArts) hace públicos los resultados de sus trabajos de estudio y restauración de la imagen de Nuestra Señora de los Desamparados de Valencia y su camarín.
Se pueden descargar las monografías correspondientes en los siguientes enlaces: http://bit.ly/MQaWgR y http://bit.ly/1jUDbHi En ellas se detallan los trabajos realizados en el IVC+R de CulturArts Generalitat gracias al patrocinio de la Fundación Hortensia Herrero y la Real Archicofradía de Nuestra Señora de los Desamparados.
Más información:
www.ivcr.es
[Fuente: IVC+R de CulturArts]
Se pueden descargar las monografías correspondientes en los siguientes enlaces: http://bit.ly/MQaWgR y http://bit.ly/1jUDbHi En ellas se detallan los trabajos realizados en el IVC+R de CulturArts Generalitat gracias al patrocinio de la Fundación Hortensia Herrero y la Real Archicofradía de Nuestra Señora de los Desamparados.
Más información:
www.ivcr.es
[Fuente: IVC+R de CulturArts]
08 marzo 2014
Convocatoria de becas MAEC-AECID de la Academia de España en Roma
Hoy se ha abierto el plazo de solicitud de becas para la Academia
de España en Roma convocadas por el Ministerio de Asuntos Exteriores y
de Cooperación (MAEC), a través de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID).
Las ayudas están dirigidas a artistas, investigadores y restauradores para la realización de proyectos creativos e innovadores que sirvan al objetivo de hacer de la Academia una plataforma internacional, laboratorio y escaparate de la cultura creativa española, europea e iberoamericana. Además del importe mensual de la beca se proporcionará residencia en régimen de alojamiento en la Academia durante el periodo de realización del proyecto y la financiación del mismo.
En esta convocatoria se ofrecen becas en la especialidad de Arquitectura en Restauración del Patrimonio Artístico y Cultural, en colaboración con la Fundación Rafael del Pino. Además, se concederán ayudas en las especialidades de Escultura; Pintura; Fotografía; Videocreación; Cine; Grabado; Diseño; Diseño de moda; Diseño gráfico y Netart; Arquitectura; Música y musicología; Artes escénicas; Literatura (beca Valle-Inclán); Cómic; Estética: teoría, filosofía y crítica del arte; Museología y comisariado de exposiciones.
Pueden solicitar estas becas ciudadanos españoles e iberoamericanos, así como ciudadanos de la Unión Europea residentes en España e italianos residentes en Italia, sin límite de edad. El plazo de solicitud termina el día 1 de abril. Más información en: http://bit.ly/1hIAhEN.
[Fuente: Clío en Red]
Las ayudas están dirigidas a artistas, investigadores y restauradores para la realización de proyectos creativos e innovadores que sirvan al objetivo de hacer de la Academia una plataforma internacional, laboratorio y escaparate de la cultura creativa española, europea e iberoamericana. Además del importe mensual de la beca se proporcionará residencia en régimen de alojamiento en la Academia durante el periodo de realización del proyecto y la financiación del mismo.
En esta convocatoria se ofrecen becas en la especialidad de Arquitectura en Restauración del Patrimonio Artístico y Cultural, en colaboración con la Fundación Rafael del Pino. Además, se concederán ayudas en las especialidades de Escultura; Pintura; Fotografía; Videocreación; Cine; Grabado; Diseño; Diseño de moda; Diseño gráfico y Netart; Arquitectura; Música y musicología; Artes escénicas; Literatura (beca Valle-Inclán); Cómic; Estética: teoría, filosofía y crítica del arte; Museología y comisariado de exposiciones.
Pueden solicitar estas becas ciudadanos españoles e iberoamericanos, así como ciudadanos de la Unión Europea residentes en España e italianos residentes en Italia, sin límite de edad. El plazo de solicitud termina el día 1 de abril. Más información en: http://bit.ly/1hIAhEN.
[Fuente: Clío en Red]
Categorías:
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cine,
cómic,
crítica,
diseño,
escultura,
España,
estética,
exposiciones,
fotografía,
Italia,
museología,
musicología,
pintura,
Roma
21 febrero 2014
'Al-Andalus, Arqueología e Historia', nueva página en Facebook
Desde el pasado 10 de febrero de 2014 está activa en la red social Facebook la página al-Andalus, Arqueología e Historia. Creada y administrada por Alejandro Pérez Ordóñez, esta nueva página pretende recoger noticias, publicaciones e información sobre la investigación arqueológica e histórica de al-Andalus y hace un llamamiento a la colaboración abierta entre todos los profesionales y aficionados a esta temática. En apenas diez días de existencia ha superado los 850 seguidores.
Al-Andalus, Arqueología e Historia:
https://www.facebook.com/arqueoalandalus
https://www.facebook.com/arqueoalandalus
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judío,
Marruecos,
medieval,
mozárabe,
mudéjar,
pintura,
Portugal
17 enero 2014
La pintura prehistórica no cambió durante miles de años
Un equipo con participación de investigadores del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) ha analizado por primera vez dos figuras rupestres de abrigos rocosos situados en el conjunto de Minateda en Hellín (Albacete), de estilos diferentes y separadas por varios milenios en el tiempo. Los resultados, publicados en Journal of Archaeological Science, indican que la composición de la pintura en la Prehistoria no cambió en miles de años y que no existieron connotaciones culturales o rituales en su elaboración.
La primera de las figuras analizadas, que representa a un bóvido, pertenece al arte levantino que practicaban los cazadores-recolectores nómadas que poblaron la Península hace unos 10.000 años, mientras que la segunda, un cuadrúpedo, es de estilo esquemático, desarrollado por los primeros productores, agricultores y ganaderos que vivieron en la zona hace entre 6.500 y 3.500 años. El primer estilo se caracteriza por el naturalismo de sus formas y escenas, mientras que el segundo esquematiza sus motivos, llegando a veces, incluso, a la abstracción.
Los artistas emplearon como pigmentos óxidos de hierro y terrígenos, materiales fácilmente localizables en el entorno de los abrigos analizados: el Abrigo Grande de Minateda, el más emblemático para definir el origen y la evolución del arte rupestre del Arco Mediterráneo de la Península Ibérica, y el Abrigo del Barranco de la Mortaja.
“Las composiciones de los pigmentos empleados en ambos estilos, separados por varios milenios en el tiempo, son idénticas, lo que significa que los artistas no acudieron a recetas intencionadas, como se creía hasta ahora, sino que se trata de materia pigmentante abundante y de buena calidad que era fácil de obtener en los alrededores”, indica Alberto Jorge, investigador del CSIC en el Museo Nacional de Ciencias Naturales.
Otra de las conclusiones del trabajo tiene implicaciones en la metodología de la investigación de los pigmentos del arte rupestre al aire libre. La aparición de oxalato cálcico demostraría que el pigmento y el soporte se fusionaron con la capa exterior con el paso de los siglos.
“Este resultado cuestionaría los estudios realizados hasta ahora basados en distinguir tres capas estratigráficas -soporte rocoso, pintura y pátina externa-, ya que estas se ven fusionadas y alteradas continuamente, lo cual introduce un acusado factor aleatorio en las dataciones”, explica Jorge.
Los investigadores también han detectado la presencia de determinados ácidos grasos, lo que indicaría que los pigmentos, al ser procesados, aplicados o almacenados, pudieron estar en contacto con pieles de animales.
“De ahora en adelante hay que ser muy prudentes al hablar de rituales en la elaboración de los pigmentos, ya que estas interpretaciones surgieron al hallar en el pigmento sustancias como los fosfatos cálcicos, interpretados como huesos calcinados y triturados. Estas extrapolaciones no son correctas, ya que estas sustancias las encontramos también en el propio sustrato rocoso”, agrega el investigador del CSIC.
El trabajo ha contado con la participación de investigadores de la UNED, la Universidad de Huelva y el Instituto de Patrimonio Cultural de España y con la colaboración del Museo de Hellín y la Junta de Castilla-La Mancha. En él se han combinado por primera vez cuatro técnicas complementarias: la microfotografía, microscopía electrónica de barrido y microanálisis de energía dispersiva por rayos X, microespectroscopía Raman y cromatografía de gases.
La primera de las figuras analizadas, que representa a un bóvido, pertenece al arte levantino que practicaban los cazadores-recolectores nómadas que poblaron la Península hace unos 10.000 años, mientras que la segunda, un cuadrúpedo, es de estilo esquemático, desarrollado por los primeros productores, agricultores y ganaderos que vivieron en la zona hace entre 6.500 y 3.500 años. El primer estilo se caracteriza por el naturalismo de sus formas y escenas, mientras que el segundo esquematiza sus motivos, llegando a veces, incluso, a la abstracción.
Los artistas emplearon como pigmentos óxidos de hierro y terrígenos, materiales fácilmente localizables en el entorno de los abrigos analizados: el Abrigo Grande de Minateda, el más emblemático para definir el origen y la evolución del arte rupestre del Arco Mediterráneo de la Península Ibérica, y el Abrigo del Barranco de la Mortaja.
“Las composiciones de los pigmentos empleados en ambos estilos, separados por varios milenios en el tiempo, son idénticas, lo que significa que los artistas no acudieron a recetas intencionadas, como se creía hasta ahora, sino que se trata de materia pigmentante abundante y de buena calidad que era fácil de obtener en los alrededores”, indica Alberto Jorge, investigador del CSIC en el Museo Nacional de Ciencias Naturales.
Otra de las conclusiones del trabajo tiene implicaciones en la metodología de la investigación de los pigmentos del arte rupestre al aire libre. La aparición de oxalato cálcico demostraría que el pigmento y el soporte se fusionaron con la capa exterior con el paso de los siglos.
“Este resultado cuestionaría los estudios realizados hasta ahora basados en distinguir tres capas estratigráficas -soporte rocoso, pintura y pátina externa-, ya que estas se ven fusionadas y alteradas continuamente, lo cual introduce un acusado factor aleatorio en las dataciones”, explica Jorge.
Los investigadores también han detectado la presencia de determinados ácidos grasos, lo que indicaría que los pigmentos, al ser procesados, aplicados o almacenados, pudieron estar en contacto con pieles de animales.
“De ahora en adelante hay que ser muy prudentes al hablar de rituales en la elaboración de los pigmentos, ya que estas interpretaciones surgieron al hallar en el pigmento sustancias como los fosfatos cálcicos, interpretados como huesos calcinados y triturados. Estas extrapolaciones no son correctas, ya que estas sustancias las encontramos también en el propio sustrato rocoso”, agrega el investigador del CSIC.
El trabajo ha contado con la participación de investigadores de la UNED, la Universidad de Huelva y el Instituto de Patrimonio Cultural de España y con la colaboración del Museo de Hellín y la Junta de Castilla-La Mancha. En él se han combinado por primera vez cuatro técnicas complementarias: la microfotografía, microscopía electrónica de barrido y microanálisis de energía dispersiva por rayos X, microespectroscopía Raman y cromatografía de gases.
Mas, Martí; Jorge, Alberto; Gavilán, Beatriz; Solís, Mónica; Parra, Enrique; Pérez, Pedro-Pablo. Minateda rock shelters (Albacete) and post-palaeolithic art of the Mediterranean Basin in Spain: pigments, surfaces and patinas. Journal of Archaeological Science. 2013. 40: 4635-4647.[Fuente: CSIC]
26 noviembre 2013
El CSIC edita el libro 'Himeneo en la corte. Poder, representación y ceremonial nupcial en el Arte y la cultura simbólica', de Víctor Mínguez e Inmaculada Rodríguez
El presidente del Consejo Superior de Investigaciones Científicas y, en
su nombre, el director de Editorial CSIC hacen pública la invitación a
la presentación del libro Himeneo en la corte. Poder, representación y ceremonial nupcial en el Arte y la cultura simbólica.
En el acto intervendrán los autores, Víctor Mínguez Cornelles, catedrático de la Universitat Jaume I, e Inmaculada Rodríguez Moya, profesora titular de la Universitat Jaume I; Wifredo Rincón García, profesor de investigación del Centro de Ciencias Humanas y Sociales del CSIC, y Ramón B. Rodríguez Martínez, director de Editorial CSIC.
La presentación tendrá lugar el miércoles, 4 de diciembre, a las 18:30 horas, en la Librería Científica del CSIC, calle Duque de Medinaceli, 6. Madrid.
[Fuente: CSIC]
En el acto intervendrán los autores, Víctor Mínguez Cornelles, catedrático de la Universitat Jaume I, e Inmaculada Rodríguez Moya, profesora titular de la Universitat Jaume I; Wifredo Rincón García, profesor de investigación del Centro de Ciencias Humanas y Sociales del CSIC, y Ramón B. Rodríguez Martínez, director de Editorial CSIC.
La presentación tendrá lugar el miércoles, 4 de diciembre, a las 18:30 horas, en la Librería Científica del CSIC, calle Duque de Medinaceli, 6. Madrid.
[Fuente: CSIC]
'Tiziano y las cortes del Renacimiento', nuevo libro de Fernando Checa
Marcial Pons Ediciones de Historia presenta su edición de un nuevo libro de Fernando Checa Cremades, titulado Tiziano y las cortes del Renacimiento. Según los editores: "Desde
finales de los años veinte del siglo XVI hasta su muerte en 1576 la
actividad artística de Tiziano, lejos de centrarse en Venecia, su ciudad
de adopción, se desarrolló, muchas veces con preferencia, al servicio
de las cortes del Renacimiento italiano (Ferrara, Mantua, Urbino,
Pesaro, Roma) y europeo (la imperial de Carlos V y, sobre todo, la real
de Felipe II en España). Este trabajo, fruto de varios años de
investigación en diversos museos, archivos y bibliotecas de Europa,
explora las estrategias cortesanas de uno de los mayores artistas de la
época y la manera cómo Tiziano modeló no sólo su carrera, sino, en buena
medida, su porpia idea de la pintura en función del mundo de las cortes
renacentistas de la primera mitad del siglo XVI. A partir de su colaboración temprana con Alfonso de Este en
Ferrrara, con el que pretendió revivir la perdida pintura de los
griegos, hasta llegar a Felipe II, su principal coleccinista, para el
que realizó decenas de obras maestras en el campo del retrato, la
pintura mitológica y la religiosa, la actividad de Tiziano configuró una
nueva manera de relacionar la pintura con el poder político, de gran
influencia en la Europa de la Edad Moderna, sin la que no podrían
entenderse las figuras, entre otros, de Diego Velázquez, Pedro Pablo
Rubens o Nicolás Poussin."
Índice y Prólogo.
PRÓLOGO.
PARTE I. CORTES Y FAMILIAS.-
Introducción. Cultura de corte y representación artística en Italia (1500-1540).-Comportamientos cortesanos e idea de la pintura.-Amor, concordia, belleza.-Escenarios.-Magnificencia.-Música.-La cuestión de la lengua.-Hacia il fare grande y el estilo all’antica.-I. Tiziano y las cortes del norte de Italia: Ferrara, Mantua, Urbino y Pesaro.-Ferrara. Reconstrucción de la pintura de los antiguos.-Mantua. Federico II Gonzaga y la Antigüedad heroica.-Urbino y Pesaro. La patria del cortesano (Francesco Maria I della Rovere y Guidobaldo II).-Otras bellas.Isabella d’Este y el retrato de la mujer ideal del Renacimiento.-
PARTE II. ANTE EL IMPERIO.-
Introducción. Tiziano Vecellio: del alto Renacimiento a la Contrarreforma.-La nueva situación italiana. Carlos V en Italia y Centroeuropa y la nueva imagen del poder.-Felipe II, del Alto Renacimiento a la Contrarreforma.-I. Huius Saeculi Apeles: Tiziano al servicio de Carlos V.-Carlos V y Tiziano. Los primeros encargos.-Tiziano y la familia Farnesio. El paragone con Rafaello de Sanzio, Miguel Ángel Buonarrotti y la escultura antigua.-Al servicio de la Casa de Austria. Tiziano en Augbsurgo 1548-1549.-Tiziano y María de Hungría (1548-1551): retratos y gigantes.-Los encargos de Granvelle.-De Bruselas a El Escorial: Carlos V y el encargo de La Gloria. Los cuadros de Tiziano en Yuste.-II. Tiziano, monarca de la pintura. los encargos de Felipe II.-El retrato armado del príncipe.-Felipe, príncipe de España: Tiziano y la preparación de un entorno regio renovado.-Las poesie para Felipe II y la idea de la pintura en Tiziano.-Los géneros de la pintura según Tiziano: poesie, «invenciones fabulosas», «invenciones de pintura», «historias de devoción».-Madrid-Venecia. De la imagen religiosa a la alegoría política. La función de la pintura de Tiziano en la corte de Felipe II y el estilo tardío del artista (1552-1575).-Conclusión: los últimos tiempos en el taller del maestro (1573-1576).-
BIBLIOGRAFÍA.
[Fuente: Tiempo de Historia y Marcial Pons]
Índice y Prólogo.
ÍNDICE
PRÓLOGO.
PARTE I. CORTES Y FAMILIAS.-
Introducción. Cultura de corte y representación artística en Italia (1500-1540).-Comportamientos cortesanos e idea de la pintura.-Amor, concordia, belleza.-Escenarios.-Magnificencia.-Música.-La cuestión de la lengua.-Hacia il fare grande y el estilo all’antica.-I. Tiziano y las cortes del norte de Italia: Ferrara, Mantua, Urbino y Pesaro.-Ferrara. Reconstrucción de la pintura de los antiguos.-Mantua. Federico II Gonzaga y la Antigüedad heroica.-Urbino y Pesaro. La patria del cortesano (Francesco Maria I della Rovere y Guidobaldo II).-Otras bellas.Isabella d’Este y el retrato de la mujer ideal del Renacimiento.-
PARTE II. ANTE EL IMPERIO.-
Introducción. Tiziano Vecellio: del alto Renacimiento a la Contrarreforma.-La nueva situación italiana. Carlos V en Italia y Centroeuropa y la nueva imagen del poder.-Felipe II, del Alto Renacimiento a la Contrarreforma.-I. Huius Saeculi Apeles: Tiziano al servicio de Carlos V.-Carlos V y Tiziano. Los primeros encargos.-Tiziano y la familia Farnesio. El paragone con Rafaello de Sanzio, Miguel Ángel Buonarrotti y la escultura antigua.-Al servicio de la Casa de Austria. Tiziano en Augbsurgo 1548-1549.-Tiziano y María de Hungría (1548-1551): retratos y gigantes.-Los encargos de Granvelle.-De Bruselas a El Escorial: Carlos V y el encargo de La Gloria. Los cuadros de Tiziano en Yuste.-II. Tiziano, monarca de la pintura. los encargos de Felipe II.-El retrato armado del príncipe.-Felipe, príncipe de España: Tiziano y la preparación de un entorno regio renovado.-Las poesie para Felipe II y la idea de la pintura en Tiziano.-Los géneros de la pintura según Tiziano: poesie, «invenciones fabulosas», «invenciones de pintura», «historias de devoción».-Madrid-Venecia. De la imagen religiosa a la alegoría política. La función de la pintura de Tiziano en la corte de Felipe II y el estilo tardío del artista (1552-1575).-Conclusión: los últimos tiempos en el taller del maestro (1573-1576).-
BIBLIOGRAFÍA.
[Fuente: Tiempo de Historia y Marcial Pons]
01 julio 2012
'The Virginity of the Virgin', nueva monografía sobre Iconografía mariana
La editorial italiana Scienze e Lettere ha sacado a la luz la monografía de Lasse Hodne titulada The Virginity of the Virgin. A Study in Marian Iconography ("La virginidad de la Virgen. Un estudio en Iconografía mariana"). Este libro se ocupa de los aspectos de la iconografía mariana relacionados con el tema de la virginidad. Trata sobre temas conocidos como la Anunciación, el matrimonio (o compromiso) de la Virgen, el Nacimiento de Cristo, la Inmaculada Concepción, la Virgen del Parto y la Maria Lactans, prestando especial atención a los aspectos que, además de ayudar a contar las historias de los Evangelios, también hacen hincapié en los puntos de vista específicos sobre la virginidad perpetua de María. El hombre medieval a menudo buscaba explicaciones concretas a los misterios de la fe, como el nacimiento de la Virgen. Por ejemplo, algunas personas pensaron que María podría mantenerse intacta a partir de su concepción y embarazo a través del oído. Cuando las autoridades eclesiásticas declararon que María, como Jesús, nació sin pecado, se realizaron conjeturas de manera generalizada, incluso entre los pintores, sobre cómo había ocurrido.
El libro trata sobre obras de arte europeo desde la época paleocristiana hasta la Contrarreforma, poniendo especial énfasis en el período comprendido entre mediados del siglo XII y finales del XIV. Se centra en cómo las ideas acerca de la virginidad de María se expresan a través de la representación de escenas de los Evangelios o, indirectamente, a través de alegorías, como el Hortus conclusus o la Porta Caeli. También trata de definir los procesos de cambio que se encuentran tras las imágenes, con una atención especial a los períodos de rápida transformación cultural, como la que se produjo en el siglo XII. Durante esta época, las metáforas asociadas a la condición sexual y estado civil de María se cargaron de connotaciones nuevas que alteraron su significado original, cambiando la atención de la virtud de la abstinencia a la pureza y la virginidad como valores por sí mismos.
El libro trata sobre obras de arte europeo desde la época paleocristiana hasta la Contrarreforma, poniendo especial énfasis en el período comprendido entre mediados del siglo XII y finales del XIV. Se centra en cómo las ideas acerca de la virginidad de María se expresan a través de la representación de escenas de los Evangelios o, indirectamente, a través de alegorías, como el Hortus conclusus o la Porta Caeli. También trata de definir los procesos de cambio que se encuentran tras las imágenes, con una atención especial a los períodos de rápida transformación cultural, como la que se produjo en el siglo XII. Durante esta época, las metáforas asociadas a la condición sexual y estado civil de María se cargaron de connotaciones nuevas que alteraron su significado original, cambiando la atención de la virtud de la abstinencia a la pureza y la virginidad como valores por sí mismos.
LASSE HODNE. The Virginity of the Virgin. A Study in Marian Iconography, Roma, Scienze e lettere, 2012, 138 p. ISBN: 978-88-6687-006-7[Fuente: Publicaciones sobre Arte Medieval]
31 marzo 2012
Los girasoles de Van Gogh eran mutantes, según un estudio publicado en PLoS Genetics
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| “Jarrón con quince girasoles” de V. van Gogh. Imagen: Steve Dorrington |
La inflorescencia del girasol está compuesta por dos tipos distintos de flores. Uno en el perímetro exterior, en forma de una única serie de pétalos largos, aplanados, amarillos y fértiles. Y otro en su centro, formado por cientos o miles de flores pequeñas en forma de tubo que producen las semillas.
Los girasoles de Van Gogh son ligeramente distintos a los normales. Tienen múltiples bandas de pétalos amarillos y una proporción mucho menor de flores tubulares en el centro. “Las florecitas del disco interno se han transformado y son muy parecidas a las del externo”, explica Burke.
Los investigadores han descubierto que el aspecto de los girasoles mutantes es debido a que el gen HaCYC2c se activa en un sitio indebido. “Normalmente este gen está activo solo en las flores exteriores, pero en los mutantes también lo está en el disco central”, afirma Burke.
“Además de su interés histórico el descubrimiento puede tener repercusiones económicas –comenta el investigador–. Estas flores ornamentales son muy apreciadas en el mercado”.
En este estudio, los investigadores utilizaron la misma técnica que llevó al monje y naturalista Gregor Mendel a descubrir las leyes de la herencia en 1865.
John Burke y sus colegas cruzaron girasoles normales con mutantes para descubrir que existían dos mutaciones, una dominante que causaba las flores dobles y una recesiva que daba un tercer tipo de flor tubular con características intermedias.
Con técnicas más modernas, los investigadores secuenciaron el gen mutado y también centenares de variedades de girasol. Encontraron que las flores normales siempre tenían el HaCYC2c intacto, y que las flores dobles y las tubulares siempre tenían la misma mutación. “Estos resultados son la evidencia de que la mutación que hemos identificado es la misma que plasmó van Gogh en su momento” concluye Burke.
[Fuente: SINC]
15 agosto 2011
El Museo de Bellas Artes de Sevilla incorpora a su colección tres obras de Zuloaga, Tamburini y del círculo de Murillo
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| 'El conde de Urgel en poder de los hombres del rey Fernando de Antequera', de José María Tamburini. |
El Museo de Bellas Artes de Sevilla ha incorporado a su colección permanente las pinturas 'Huida a Egipto', anónimo del círculo de Murillo, y 'El conde de Urgel en poder de los hombres del rey Fernando de Antequera' de José María Tamburini (Barcelona, 1856-1932). El discurso expositivo de la pinacoteca que gestiona la Consejería de Cultura se ha visto asimismo enriquecido con el depósito por parte de Museo Reina Sofía de Madrid del lienzo 'Bailaora, Antonia la Gallega', de Ignacio Zuloaga (Eibar, 1870- Madrid, 1945).
El óleo sobre lienzo 'Huida a Egipto' (206 x 247,5 centímetros), adquirido por la Consejería de Cultura, está datado entre finales del siglo XVII y comienzos del XVIII. La escena representada está sacada de los evangelios apócrifos y narra el momento en que la Sagrada Familia hace un alto en el camino para descansar a la sombra de una palmera.
En la composición del cuadro destaca una diagonal en la que se sitúan los personajes principales y va desde la Virgen hasta el ángel que, en escorzo, coge la cesta de manzanas. Otro grupo recoge los dátiles que van a ofrecer a la familia; San José lleva la vara de azucenas, símbolo de pureza y de haber sido elegido por Dios como marido de María, y les acompaña San Juan Bautista, que aparece con el cordero y lleva granadas, símbolo del amor, de la fecundidad y de la unión.
En la parte inferior de la pintura aparecen gran variedad de flores, trabajadas con maestría y minuciosidad, mientras que el celaje está tratado con una pincelada mucho más suelta. Se aprecian dos tipos de factura en las figuras: el ángel montado en el burro, las figuras de la Sagrada Familia y el San Juanito son de mayor calidad y sus rasgos son más dulces y más cercanos a la pintura de Murillo, por lo que pudieran ser de algún discípulo directo; el resto de las figuras son, en cambio, menos delicadas y podrían pertenecer a un artista menos cualificado.
En 'Huida a Egipto' predominan los tonos ocres, animados por el rojo y el azul de los paños de los ángeles y destaca una iluminación barroca. Cabe resaltar igualmente la iluminación, barroca en el juego de luces y sombras de los ángeles de la palmera y más destacada en las figuras principales.
El óleo sobre lienzo 'El conde de Urgel en poder de los hombres del rey Fernando de Antequera' (127 X 170 centímetros) de José María Tamburini es una donación de Antonio Girona Godó. El cuadro se inspira en un hecho histórico de la vida del conde de Urgel, uno de los aspirantes a la corona de Aragón tras morir sin descendencia el rey Martín el Humano; sin embargo, en 1412, en el Compromiso de Caspe, se proclamó rey al príncipe castellano Fernando de Antequera. En 1413 el conde se rebela pero el príncipe domina la revuelta y le desposee de todos sus dominios condenándole a prisión perpetua. Es entonces cuando el condado de Urgel se incorpora a los dominios de la corona de Aragón.
Desde el punto de vista plástico, la pintura destaca por la exactitud en la descripción de los detalles, la destreza técnica, la intensa brillantez de su colorido y lo equilibrado de la composición, llena de fuerza dramática.
Tamburini pertenece a la generación de artistas que desarrolló su trayectoria profesional entre dos siglos. Se formó en la escuela de la Lonja en Barcelona y completó su aprendizaje en París y posteriormente en Roma, donde entró en contacto con los círculos de continuadores de Fortuny. Ya en Barcelona, desde 1895 compaginó su labor como pintor con las de ilustrador, crítico literario y poeta, dentro de la corriente literaria catalanista de la Reinaxença.
En la producción de José Maria Tamburini se distinguen dos etapas bien diferenciadas, una primera, a la que pertenece esta obra, en la que los protagonistas son los cuadros de historia, y una segunda impregnada de temática idealista y simbólica que le llevaría a acercarse al Modernismo.
Por último, el lienzo 'Bailaora, Antonia la Gallega' (París, 1912; 196 x 117 centímetros) de Ignacio Zuloaga es un depósito del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía que viene sustituir al 'Retrato de Madame Malinovska', del mismo autor, que ha vuelto a Madrid después de haber estado expuesto en el Museo de Bellas Artes de Sevilla desde 1976.
El cuadro es también un retrato femenino de cuerpo entero que corrobora la importancia que este género tuvo en la obra Zuloaga. En este caso, el artista presenta a una bailarina, mujer de carácter, que se planta de pie frente al espectador con autoridad y fuerza. La modelo está detenida, con el único movimiento de sus manos, y aparece de tres cuartos, sin referencia espacial ni ambiental. El fondo es neutro, aunque formado por una especie de remolino agitado que subraya la energía y fuerza expresiva del personaje.
[Fuente: Junta de Andalucía]
06 abril 2011
Un cuadro de Gauguin es atacado por una mujer perturbada
La National Gallery of Art en Washington ha confirmado que una obra de Paul Gauguin está siendo inspeccionada ante los posibles daños causados por el ataque de una visitante en la tarde del viernes pasado.Testigos del suceso que en ese momento se encontraban visitando la National Gallery confirmaron a "The Washington Post" que una mujer intentó desprender el cuadro de Gauguin Dos mujeres tahitianas y golpeó el plástico transparente que lo cubría mientras gritaba: "Es maléfico".
La portavoz del museo, Deborah Ziska, confirmó que la mujer fue retenida por los miembros de seguridad y acusada de destrucción de la propiedad y tentativa de robo. Ziska asegura que no se aprecia daño aparente en la pintura de 1899, pero que será sometida a un examen más minucioso para descartar males mayores.
La obra muestra a dos mujeres parcialmente desnudas y forma parte de una muestra especial de Gauguin en la National Gallery.
"Para mí, Gauguin es el mal. Hizo la desnudez y es malo para los niños. En su pintura representa a dos mujeres y esto es muy homosexual", declaró la mujer a los agentes de seguridad que la detuvieron, según los documentos difundidos por el tribunal en Washington.
"Intenté sacarlo. Pienso que debería ser quemado", precisó la mujer, según un oficial de policía citado en los documentos.
La mujer, que sostiene un discurso confuso, contó que trabajaba "para la CIA" y que tenía una "radio en la cabeza". "Los voy a matar", dijo a los agentes de seguridad.
La mujer logró sacar algunos soportes que sostenían el cuadro y luego golpeó el centro de la obra con el puño, antes de ser detenida por los guardias del museo.
La pintura que pone en escena a dos mujeres con los senos desnudos está protegida por una pantalla transparente, por eso el cuadro no parece haberse dañado, aunque aún falta realizar análisis en laboratorios.
[Fuente: Agencias]
05 abril 2011
Les saintes vierges et martyres dans l'Espagne du XVIIe siècle
La Casa de Velázquez acaba de editar la obra "Les saintes vierges et martyres dans l'Espagne du XVIIe siècle. Culte et image", de Cécile Vincent-Cassy. Se trata de un estudio iconográfico sobre las pinturas de santos, vírgenes y mártires del taller de Zurbarán. La Casa de Velázquez ofrece la siguiente sinopsis (en francés) de esta reciente publicación:Des portraits. Voilà ce qui vient à l'esprit du spectateur lorsqu'il voit les séries de saintes vierges et martyres de l'atelier de Zurbarán. C'est de cette impression que naît la réflexion conduite ici sur des saintes qui font l'objet d'un culte ancestral. Pour être en mesure de définir l'image de ces figures tant sur le plan de l'histoire locale que sur celui de l'histoire nationale, divers parcours géographiques et de multiples changements d'échelle sont nécessaires. Car ces saintes constituent un ensemble à la fois hétérogène et homogène, une ambivalence que cette étude ne cherche pas à réduire. Partant du principe que le culte est inséparable de l'image, l'ouvrage s'appuie sur des oeuvres écrites et sur des centaines de représentations iconographiques. L'auteur envisage de manière concomitante la mise en scène de ces saintes, leur mise en récit, en mots, en peinture, dans l'Espagne de Philippe III et de Philippe IV.
Les saintes vierges et martyres dans l'Espagne du XVIIe siècle. Culte et image
Cécile Vincent-Cassy
* 47 €
* 2011
* ISBN 9788496820562
* 548 pp.
* 17 x 24 cms.
* Rústica
* Bibliothèque de la Casa de Velázquez no 50
[Fuente: Casa de Velázquez]
02 febrero 2011
Tres museos de Nueva York y otro de Washington se suman al Art Project de Google
Tres museos de Nueva York, la Colección Frick, el de Arte Moderno (MoMA) y el Metropolitan, y otro de Washington, el Freer Smithsonian, se suman desde este martes al proyecto de Google para que los usuarios de Internet puedan explorar virtualmente sus miles de obras de arte.Los cuatro museos estadounidenses forman parte de la iniciativa Art Project, presentada este martes en Londres y que engloba a 17 de los más importantes del mundo, como los españoles Reina Sofía y Thyssen-Bornesmiza, la Galleria degli Uffizi (Italia) o el británico Tate.
El nivel de calidad de la imagen permite apreciar las pinceladas. Con un "click" de ratón de computadora, la iniciativa permite a los usuarios de Internet recorrer esos 17 museos de once ciudades en nueve países, así como a las obras de 486 artistas expuestas en 385 salas, además de más de mil imágenes artísticas en alta resolución y 17 "gigapixel" fotos.
La directora de la Colección Frick de Nueva York, Anne Poulet, señaló que esta colaboración museística internacional con el portal de Internet "representa una síntesis fascinante entre arte y tecnología, que reforzará las maneras en que el gran público puede acceder al arte, además de proporcionar a los educadores nuevas herramientas para compartir sus impresiones y descubrimientos".
Los usuarios de esta nueva herramienta artística y educativa tienen también la posibilidad de hacerse con su propia colección personal de arte virtual, así como de comentarla.
La visita virtual a esa prestigiosa entidad neoyorquina comienza a través de la obra renacentista San Francisco en el desierto, de Giovanni Bellini (1430-1516). La técnica permite que los visitantes virtuales pueden ver con un increíble detalle la figura central del santo, incluidas las pinceladas, con que Bellini pintó los animales, las plantas y hasta los objetos o la mirada de San Francisco.
Las imágenes en alta resolución aportadas por estos museos pueden ser ampliadas y revisadas con todo detalle mediante la herramienta de "zoom" que aparece en cada una de ellas.
La visita al MoMA comienza por la imagen de Noche estrellada, de Vincent Van Gogh. Este museo neoyorquino ha incluido entre las obras que forman parte de esa visita virtual La forja, de Francisco de Goya (1746-1828), un autorretrato de Rembrandt van Rijn (1606-1669), El progreso del amor: El encuentro, de Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), entre otras piezas de Johannes Vermeer, Jean-Auguste Ingres o Pierre-Auguste Renoir, entre otros.
La visita al Metropolitan a través del ordenador personal empieza por La cosecha, de Pieter Brueghel el Viejo (1525-1569), para seguir por otras impresionantes piezas como Vista de Toledo, de Doménikos Theotokópoulos El Greco (1541-1614), en la que se aprecian con todo detalle las pinceladas de un paisaje que refleja los desniveles arquitectónicos de la ciudad española en una oscura atmósfera.
Este museo también ha incluido la escultura Ugolino y sus hijos, de Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875) e importantes obras de Paolo Veronese, Jacques-Louis David, Paul Gauguin, Edouard Manet o Rembrandt, entre las más diversas representaciones artísticas de diferentes culturas.
La visita al MoMA comienza por la imagen de Noche estrellada, de Vincent Van Gogh (1853-1990), para seguir con un recorrido sobre la obra de Paul Cézanne (1839-1906), como Château Noir, un bodegón con manzanas y una jarra de leche o un autorretrato del pintor francés, sin olvidar a alguno de sus destacados bañistas. A ellos se añaden destacadas obras de Gauguin, Odilon Redon, Henri Rousseau o Georges-Pierre Seurat, entre otros.
Las imágenes en "gigapixel" proporcionadas por el museo Smithsonian de Washington incluyen The Princess from the Land of Porcelain, del estadounidense James McNeill Whistler (1834-1903) y otras veinte obras suyas, así como importantes representaciones artísticas de la cultura china, japonesa o de caligrafía árabe.
[Fuente: EFE]
24 noviembre 2010
Graffiti al cubo: arte y matemáticas
Las matemáticas y el graffiti han vuelto a hermanarse este año en la Semana de la Ciencia de la mano del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC). Durante los días 17 y 18 de noviembre, ocho alumnos de secundaria han realizado cuatro murales de inspiración matemática sobre las caras de un gran cubo de madera. La actividad, organizada por el Instituto de Ciencias Matemáticas, ha sido dirigida por diGo.aRt, nombre artístico de Diego Heredia Heredia, y busca acercar el mundo de las matemáticas a los jóvenes.Los estudiantes, siete chicos y una chica, fueron seleccionados mediante un concurso de bocetos e ideas convocado el pasado mes de septiembre, en el que se tuvieron en cuenta la calidad, la originalidad y contenido matemático de los diseños presentados, así como el dominio de la técnica del graffiti.
La actividad Graffiti y Matemáticas, que este año ha celebrado su segunda edición, se engloba dentro de la Semana de la Ciencia, para la que este año los investigadores del CSIC han preparado más de 230 actividades divulgativas, todas ellas gratuitas y dirigidas a todos los públicos.
[Fuente: CSIC]
20 octubre 2010
Jornada El nacimiento de una pintura: De lo visible a lo invisible
Con motivo de la exposición El nacimiento de una pintura. De lo visible a lo invisible, que se exhibe desde el pasado 14 de julio en el Museo de Bellas Artes de Valencia, se convocan las presentes jornadas el día 8 y 9 de noviembre de 2010.Organizada por el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, es fruto de un proyecto científico de colaboración entre el Institut Valencià de Conservació i Restauració de Béns Culturals, el Museo de Bellas Artes de Valencia, el Museo Nacional del Prado y Centro di Reflecttografia IR e Dianostica dei Beni Culturali dell’Università degli Studi de Milán, donde se ha desarrollado el prototipo de alta resolución sensible al infrarrojo que ha permitido descubrir los dibujos ocultos de los pintores, y profundizar así en el conocimiento de sus obras maestras.
Los expertos compartirán la metodología empleada y analizarán las diferentes técnicas y procedimientos de dibujo subyacente existente en las obras italianas, flamencas y valencianas. El estudio de estos dibujos ayuda a determinar los instrumentos y los materiales pictóricos empleados por los artistas, como el carboncillo, el lápiz negro, el pincel o la punta metálica, además de las distintas maneras con las que planteaban el proceso creativo de sus obras: dibujo a mano alzada, métodos de transposición de los bocetos exentos y cambios de composición. Todo ello aporta una información inédita a la hora de conocer el nacimiento de una pintura.
Estos trabajos han permitido exponer los dibujos de grandes obras de la Historia del Arte, como el Descendimiento Van der Weyden, el Retablo de san Zeno de Mantegna, o la Anunciación de Provost entre otros.
Fecha: 8 y 9 de noviembre de 2010
Lugar: Museo de Bellas Artes de Valencia
Matricula: 100 € / 50€ (Estudiantes)
www.ivcr.es
26 septiembre 2010
El Museo del Prado identifica una obra desconocida de Bruegel ‘el Viejo’
El vino en la fiesta de San Martín (sarga al temple de cola, 148 x 270,5 cm.; h. 1565-1568), una obra hasta ahora desconocida de Pieter Bruegel 'el Viejo', figura capital de la pintura flamenca del siglo XVI, ha sido atribuida a Bruegel 'el Viejo' por el Museo del Prado tras varios meses de estudio y restauración en sus instalaciones, según informó el Ministerio de Cultura el 23 de septiembre de 2010. El Museo tiene ahora "una ventajosa opción de compra" sobre la pintura y cuenta con el informe favorable de la Comisión Permanente de su Real Patronato, así como el de la Junta de Calificación, Valoración y Exportación de Bienes del Patrimonio Artístico Español, para su adquisición, además del apoyo expresado hoy por la ministra, Ángeles González Sinde. Según el Ministerio, "la aparición de este cuadro constituye un descubrimiento de trascendental importancia para la historia del arte. Pieter Bruegel 'el Viejo', el nuevo Bosco, como se le consideraba en su época, es la figura más importante de la pintura flamenca del siglo XVI. Reconocido en vida, tras su temprana muerte en 1569, sus escasas obras (sólo se conservan pinturas de su mano fechadas entre 1557 y 1568, poco más de una década) fueron buscadas obsesivamente por los coleccionistas". La identificación de El vino en la fiesta de San Martín como obra de Pieter Bruegel ‘el Viejo’ es uno de los descubrimientos de mayor relevancia que se realiza en muchos años respecto a la obra de este gran pintor flamenco, cuya figura supera incluso a Quintin Massys y Joachim Patinir, artistas que, junto con él, conforman la triada de pintores flamencos más destacada de su centuria. Se trata de un cuadro singular, tanto por su temática como por la forma en que Bruegel resolvió su composición, lo que sumado al hecho del escaso número de obras autógrafas del artista que se conservan (cuarenta hasta el momento de esta identificación), concede a su descubrimiento un carácter de extraordinaria y excepcional importancia y de interés internacional.
El vino en la fiesta de San Martín, propiedad de una colección particular española, podría incorporarse próximamente a las colecciones del Museo del Prado tras el anuncio de su descubrimiento formalizado hoy por la ministra de Cultura y el inicio de los trámites para poder optar al ejercicio del derecho de opción de compra acordado por el Museo al prestarse al estudio y restauración de la obra por mediación de Sotheby’s.
Con esta adquisición, el Museo del Prado sumaría a la única pintura del artista que se conserva en España, El triunfo de la muerte (h. 1562), obra maestra del pintor procedente de la Colección Real, la que a partir de este momento pasa a formar parte del restringido conjunto de pinturas autógrafas de Brueghel 'el Viejo' –la mayoría firmadas– que se aceptaban hasta ahora como tales (monografía Bruegel: The complete paintings, drawings and prints, Manfred Sellink, 2007).
En esta sarga se representa la fiesta del vino de San Martín. El 11 de noviembre, festividad del santo, se comía la oca de San Martín –coincidiendo con la matanza de otoño- y se degustaba el primer vino de la nueva estación, denominado vino de San Martín. Precisamente la coincidencia de la fiesta con el fin de la vendimia, en pleno otoño, asociaba con las celebraciones del santo una distribución de vino al pueblo, que tenía lugar fuera de las puertas de la ciudad. De esta manera, pese a la presencia de san Martín partiendo su capa a la derecha, no es un cuadro religioso ni una obra de devoción, aunque tampoco una escena de género. Lo que centra la representación es la celebración de la fiesta dedicada al santo tal como tenía lugar en Flandes y en los países germánicos en esa época, casi una bacanal, preludio del carnaval en los meses de invierno, y que tiene como precedente iconográfico una composición del Bosco conocida por un tapiz en las colecciones de Patrimonio Nacional. Es manifiesta en esta obra la tensión irónica entre la caridad de san Martín –vestido como un caballero a la moda desde el siglo XV- y los excesos de la fiesta que lleva su nombre.
Avanzado el otoño, con muchos árboles sin hojas, fuera de la puerta de la ciudad –arquitectura que recuerda la Puerta de Hal de Bruselas- y próximo a las casas de la campiña, se ha dispuesto en el centro un enorme tonel de vino, que Bruegel pinta de rojo, sobre un andamio de madera. En torno a él se amontonan personajes de muy distinta condición: hombres -jóvenes y viejos- y también mujeres -algunas con niños-, campesinos, mendigos, y ladrones, todos tratando de obtener la mayor cantidad posible de vino. Mientras algunos que han conseguido llenar sus recipientes tienen ya sus pies en el suelo, otros, en su intento por lograrlo, se abrazan a las vigas, se tumban sobre el tonel o se inclinan con evidente riesgo de caer para recoger un chorro del vino que sale del tonel en toda clase de recipientes, sin excluir sombreros o zapatos. El efecto que logra Bruegel, que hace gala de su enorme maestría a la hora de componer y lograr encajar a todas las figuras –en torno a cien-, es el de una montaña formada por una humanidad que se deja llevar por la gula, una especie de Torre de Babel compuesta por bebedores. De forma intencionada, Bruegel opone el círculo que conforma el grupo central en torno al tonel de vino con la disposición piramidal, mucho más estable, del grupo en el que se reproduce la caridad de san Martín, a la derecha. La composición se completa en el lado opuesto, a la izquierda de la sarga, con las figuras que se dejan llevar por los efectos del vino. El pintor plasma lo que les sucede a los que, al contrario que el santo, se han visto arrastrados por el pecado de la gula en lugar de por la virtud, como el personaje que está vomitando y el que yace en el suelo sin conocimiento sobre sus vómitos, los dos hombres peleándose o la mujer que ofrece vino a su bebé.
En las composiciones de Pieter Bruegel el Viejo, lo mismo que en El Bosco, hay una censura muy extendida en esta época hacia los campesinos, bebedores y borrachos, y hacia los mendigos, que también se aprecia en esta obra3. En un momento clave en la Reforma, cuyas ideas Bruegel compartía, se refleja aquí en cierto modo el problema que planteaba el culto a los santos y la eficacia de las buenas obras, siendo la caridad de san Martín uno de sus mejores ejemplos. Muy probablemente sea también necesario sumar a estas ideas la sátira que hizo Erasmo de Rotterdam de las fiestas de los santos, en las que la gula se convertía en el primero de los pecados capitales.
En este sentido existe cierto paralelismo iconográfico entre esta composición de Bruegel y la tabla central del Carro de heno de El Bosco del Museo del Prado de hacia 1516, aunque en esta última obra la representación tiene un carácter simbólico y alegórico. La obra de Bruegel se encuentra siempre anclada en la realidad de su tiempo.
[Fuente: Museo del Prado]
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